MUSIKDEZEMBER 2009

Der schÖnste Mann im Biz is back: Max Herre

Mit seinem letzten Album schaffte es der einstige Frontmann der Stuttgarter Hip-Hop-Formation Freundeskreis vor vier Jahren an die Spitze der Charts und auch sein neues Album „Ein geschenkter Tag“ kletterte auf Anhieb in die Top Ten. Was das an absoluten Verkaufszahlen bedeutet, ist dabei vielleicht nicht ganz so wichtig, wie der Umstand, dass für die anstehende Tour bereits Zusatzkonzerte anberaumt wurden. Für einen, der sein neues Album in nur einer Woche mit Band im Studio live eingespielt hat und sich vielleicht endgültig entfernt hat von Beats, Samples und Loops, ist das Musik machen wahrscheinlich auch spannender als der Blick auf Chartlisten.

Nachdem Herre zwei Jahre mit sich und Gitarre an neuen Songs geschrieben hatte, teils auch mit Unterstützung alter Bekannter wie Sekou Neblett oder Clueso, wurde „Ein geschenkter Tag“ im März diesen Jahres mit Roberto Di Gioia (Piano), Frank Kuruc (Gitarre), Christian Diener (Bass) und Earl Harvin (Schlagzeug) in nur einer Woche live im Studio in Berlin aufgenommen. Und so klingt es auch: warm und echt, verspielt, vorsichtig und zart federführend.

Max Herre ist dem Hip-Hop entwachsen, ohne ihn zu verleugnen. So ist das mit Jugendkulturen, sie prägen, bleiben Teil und sind oftmals Grundlage für mehr. Im Falle von Max Herre ist das, ähnlich, nur anders geartet als beim Hamburger Kollegen Jan Delay, auf jeden Fall eine gewisse Stilsicherheit. Zu seinem neuen Album inszeniert er sich als Songwriter alter Schule in schwarz/weiss-Ästhetik, irgendwo zwischen Dylan, der bündischen Jugend, Rio Reiser und dem eigenen Verständnis von reduktiver, aber engagierter Lebensführung. Das wirkt vertraut und doch artifiziell und Herre erreicht damit eine gewisse Unnahbarkeit, die nur selten bröckelt, ein bisschen vielleicht, wenn er und seine Band auf der großen Studio-Bühne von TV Total ganz eng zusammenrücken. Da werden sie dann plötzlich deutlich, die Notwendigkeiten, die Ab- und Spielarten von Werbung, Eigenwerbung und Selbst-Bleiben. Da kommt keiner mehr drum herum. Das ist die Zeit. Das sind die veränderten Vorzeichen. Wie soll sich da ein Songwriter noch ernsthaft politisch fühlen. Verständlich, dass der Rolling Stone nichts besseres zu tun hat, als dem Heft einen Live-Mitschnitt auf CD von Neu-Liebling Gisbert zu Knyphausen beizulegen, aufgenommen bei einem Konzert im elterlichen Weingut Baron Knyphausen. Mehr Revolution geht nicht. Da ändern auch neue Platten von den Goldenen Zitronen oder Ja, Panik! nicht viel. Man muss sich ganz schön viel einfallen lassen, um die aktuelle deutsche Musiklandschaft als aufbegehrerisch, politisch oder zumindest mal kritisch zu beschreiben.

Max Herre nimmt sich da bewusst aus. Ging es in den Anfangstagen deutschen Hip-Hops noch um aufklärerische Momente („Leg dein Ohr auf die Schiene der Geschichte“), geht es in Herres Liedern heute um Selbstverständnis des Künstlers, um Momentaufnahmen eines Lebens, um die Liebe, um das Weitermachen: „Du kommst raus, der Tag ist hell, blickst nach vorn, versuchst ihn scharf zu stellen“. Max Herre stellt sich suchend, ist aber trotzdem irgendwie und irgendwo schon angekommen. Er nimmt sich nicht zu ernst. Er macht Musik. Er singt. Und er wird weitermachen. Das kann man spüren. Max Herre ist jetzt ein Songwriter.

(Text Johannes Finke Fotografie Cem Guenes)

MUSIKDEZEMBER 2009

Nach dem Block ist vor dem Block

Sido überall. Nächstes Jahr sogar im Kino. „Der Goldjunge“ moderiert den Comet, sitzt stirnbietend bei Friedman, in der Popstars-Jury oder in einem Wok, lässt sich von PRO7 als Vorbild für die wahlmüde Jugend beim Gang zur Bundestagswahl begleiten und veröffentlicht mit der Single „Hey Du“, aus seinem neuen Album „Aggro Berlin“, mal eben so, passend zum 20jährigen Jubiläum des Mauerfalls, seine eigene Version deutsch-deutscher Befindlichkeit. Wer hätte ihm das zugetraut? Von 0 auf 4 ging der Song in den Charts. Besser geht’s nicht. Könnte man meinen. Doch trotz Dauerpräsenz in der Öffentlichkeit – eins ist Paul Würdig bestimmt nicht: in seinem Leben als Popstar angekommen. Den Traum von Charterfolgen, ausverkauften Konzerten und dem großen Geld hat er sich erfüllt, doch jetzt muss Luxus neu definiert werden: Kaffetrinken bei Mama, Chillen auf der Couch, ein klein bisschen Anonymität. Also, goldene Nase hin oder her, Sido wohnt zwar nicht mehr im Block, hat aber ganz bestimmt nicht vergessen, wo er herkommt. Im Gegenteil. Zumindest meint das unsere Musikredakteurin Teresa Mohr, die ihm zwischen Breitling-Uhr ersteigern und Shooting mit BLANK-Fotograf Cem Guenes ein paar Fragen stellte.

BLANK: Dein neues Album ist ja recht vielfältig. Sogar ein Reggae-Song ist mit auf der Platte – woher kam die Inspiration dazu?
SIDO: Speziell zu „Marie und Jana“, dem Reggae-Track, hat mich Samy Deluxe mit seinem Song „Bis die Sonne rauskommt“ inspiriert.

BLANK: Was ziemlich erstaunlich ist, schließlich gab es immer Stress zwischen Berlinern und Hamburgern.
SIDO: Das gab es mal, ja. Ich weiß auch eigentlich nicht, wie das entstanden ist. Wenn wir mal ehrlich sind, war das doch alles bloß so, weil die Hamburger die bekanntesten unter uns Rappern waren. Als Samy und ich uns das erste Mal bei einem Event, das war The Dome oder der Bundesvision Songcontest, über den Weg gelaufen sind, hat man aber schon gemerkt, dass er mir nicht allzu froh gesonnen ist, so kam mir das jedenfalls vor. Obwohl er versucht hat, sich das nicht anmerken zu lassen.

BLANK: Irgendwie hast du ihn ja anscheinend doch rumgekriegt und ihn zu einer Kollaboration bewegt.
SIDO: Ich hab einfach lange genug gefragt. Seit dem zweiten Album habe ich versucht, mit Samy Deluxe zusammenzuarbeiten. Und jetzt hat es endlich mal geklappt.

BLANK: „Aggro Berlin“ ist, anders als die Alben zuvor, weniger vergangenheitsorientiert. Man hat das Gefühl, dass du dich, abgesehen von „Hey Du!“, eher damit beschäftigst, wie deine aktuelle Lebenssituation dich beeinflusst. Auch wenn es bei dir schon länger so aussieht – wie ist es, vom Chiller zum Macher zu werden?
SIDO: Es ist anstrengend. Ich habe Gastritis. Aber das macht natürlich auch Spaß, und ist mir wichtig. Weil es was bringt. Ich habe damals schon zehn Jahre lang rumgelungert, wenn ich jetzt noch mal zehn Jahre lang rumgelungert hätte, hätte mir das nicht gut getan. Und weil ich weiß, dass es sich lohnt, ziehe ich die Sache durch. In den letzten Jahren habe ich einfach gemerkt, dass es etwas bringt, fleißig zu sein. Und in meinem Falle bringt es ja auch noch viel.

BLANK: Kohle und Spaß.
SIDO: Genau. Und wenn ich die Sache noch ein wenig länger machen möchte, und nicht verlieren will, was ich jetzt habe, dann sollte ich daran arbeiten.

BLANK: Gab es Momente, in denen du dachtest „Jetzt hab’ ich darauf keinen Bock mehr!“ ?
SIDO: Klar. Zuletzt heute morgen. Und gestern Abend. Am Tag drei Mal, ungefähr.

BLANK: Bist du mittlerweile so beschäftigt, dass es unmöglich ist, mal einen Tag vor dem Fernseher rumzuhängen und beispielsweise „Two And Half Men“ zu gucken?
SIDO: Wenn ich das könnte, würde ich auf jeden Fall die Cosbys gucken. Und nein, das kann ich nicht. Momentan habe ich keine freie Minute. Und wenn ich eine Minute habe, die nichts mit Arbeit zu tun hat, dann habe ich im privaten Bereich sehr viel nachzuholen. Diesen Moment, dass ich auf der Couch die Füße hochlegen kann, den habe ich leider sehr selten. Spärlich gesät.

BLANK: Vor allem, wenn gerade ein Album raus ist, und die Tour ansteht.
SIDO: Ja, das nimmt ungeheuer viel Zeit in Anspruch, seit einem halben Jahr ist die Hölle los. Tourproben, dann die Tour durchziehen, nach der Tour kommt noch mehr...jetzt hast du mich ja schön wieder daran erinnert. Toll!

BLANK: Dann wieder zu den schönen Dingen des Lebens. Wenn du mit deinen Atzen abhängst, ist das dann wie früher? Könnt ihr die gleichen Dinge machen?
SIDO: Nein, wenn wir chillen, dann noch viel besser als damals. Wenn ich Zeit habe, dann miete ich uns allen eine Villa in der Türkei, lade die Jungs ein und dann hängen wir an unserem eigenen Pool ab. Das ist eine ganz andere Liga, früher mussten wir im Block auf der Treppe sitzen und frieren, weil es keinen Platz zum rumhängen gab. Das ist jetzt auf jeden Fall besser. Aber immer noch zu wenig.

BLANK: Wie lief das mit dem Ende von Aggro für dich ab? Ist das in allseitigem Einverständnis entschieden worden oder kam Specter an und hat euch damit konfrontiert, dass es mit Aggro aus ist?
SIDO: Es wäre schön gewesen, wenn er angekommen wäre. Aber so lief das nicht ab. Obwohl ich mir auch schon vorher denken konnte, dass es vorbei ist. Mein Anwalt hatte mich schon darauf vorbereitet. Wir wussten eigentlich alle, dass es vorbei ist, von daher gab es keine vollendeten Tatsachen. Aber die Art und Weise, wie da dichtgemacht wurde, war eklig.

BLANK: Dürfte man dazu mehr erfahren?
SIDO: Es brennt mir immer auf der Zunge, darüber zu reden. Aber ich möchte keine schmutzige Wäsche waschen, ich möchte dass die Leute Aggro Berlin als guten Namen in Erinnerung behalten. Wenn ich jetzt auspacken würde, dann würde es dazu beitragen, dass Aggro ganz anders aussähe. Und das muss nicht sein.

BLANK: Aggro ist tot, es leben die Sekte – ihr habt ein neues Album draußen.
SIDO: Ja, es ist auch echt super, dass mein Album und die Sekten-Platte am selben Tag rausgekommen sind. Weil die Leute, denen mein neuer Style nicht so gefällt, dafür an dem Sekten-Album ihre Freude haben dürften.

BLANK: Das könnte aufgrund der Party-Beats auch live ein echter Spaß werden.
SIDO: Auf jeden Fall. Aber ich denke, da kommt keiner. Das Live-Business ist zur Zeit echt im Arsch.

BLANK: Das ist ja erstaunlich. Eigentlich ist es doch mittlerweile so, dass ein Großteil der Einnahmen im Musikbiz durch Ticketverkäufe generiert werden.
SIDO: Nicht bei mir. Ich verdiene das meiste Geld mit den Platten, die ich verkaufe. Bei der Sekte ist das natürlich nicht so.

BLANK: Das Geld, was du damit verdienst, ermöglicht dir einen ganz anderen Lebensstil als damals zu Sekten-Zeiten. Was bedeutet Luxus für dich?
SIDO: Ganz besondere Momente sind für mich solche, die ich mit meiner Familie oder meinen Freunden teilen kann. Ich bin nicht besonders anspruchsvoll – Luxus bedeutet für mich, tun und lassen zu können, was und wann ich will. Ich hab echt keine hohen Ansprüche. Meine Wohnung ist sehr spartanisch eingerichtet, als vermessen würde ich mich auch nicht gerade bezeichnen. Aber ich gucke eben, dass ich immer zufrieden bin, wozu auch gehört, dass ich mir kleine oder größere Wünsche erfülle. Letztens habe ich eine neue PSP in der Werbung gesehen, hab mir das Ding gleich im Internet bestellt und am nächsten Morgen war es mit dem Overnight-Kurier da. Das bedeutet für mich Luxus, kein goldener Kronleuchter oder sonstiges.

BLANK: Kannst du eigentlich noch die Straße überqueren, ohne dass du als Sido der Popstar entlarvt wirst?
SIDO: Nein, diese Zeit ist leider auch schon vorbei. Aber irgendwann wird das vorübergehen. Und nur weil ich das weiß, kann ich damit leben.

BLANK: Was wird die zweite Singleauskopplung von „Aggro Berlin“?
SIDO: „Geburtstag“– dazu haben wir auch gerade das Video gedreht und es erscheint auch zu meinem Geburtstag. Das ist tatsächlich ein wichtiges Thema für mich, nicht weil es um Geschenke geht, so wie in der Kindheit, sondern weil ich es wichtig finde, dass meine Leute an mich denken. Ich sorge sehr für mein Umfeld und meine Liebsten und erwarte nichts von denen, keine Geschenke, ich erwarte nur, dass sie an diesem einen Tag an mich denken. Nicht umsonst habe ich mir mein Geburtsdatum auf die Hand tätowieren lassen. Meinen diesjährigen Geburtstag werde ich übrigens auf der Bühne feiern, da spiele ich in Luzern.

BLANK: Nach „Ich kiff nicht mehr“ hast du jetzt eine Reggae-Ode ans Kiffen verfasst. „Marie und Jana“ lassen dich nicht los, kann das sein?
SIDO: Man könnte jetzt natürlich aufhören, zu kiffen.Aber ich warte auf den Moment, in dem mir das Schicksal sagt, dass es vorbei ist. Und bis jetzt hat der Moment noch nicht stattgefunden.

BLANK: Steht dir dieses Hobby manchmal im Weg?
SIDO: Nö. Ich bin tatsächlich einer von den Kiffern, die nicht faul werden, wenn sie einen rauchen. Das liegt aber vielleicht daran, dass ich hyperaktiv bin. Bei mir sorgt ein Joint eher dafür, dass ich auf ein normales Level komme. Ich dann mich dann besser fokussieren, klare Gedanken fassen. Als kleiner Junge habe ich deshalb auch gestottert. Man stottert ja oft, weil man schneller denkt, als man sprechen kann. Im Kopf ist man also schon drei Wörter weiter und weil nicht alles auf die Zunge passt, bildet sich ein Stau und man stottert. Als mir mein Arzt das damals so erklärt hat, war das Stottern weg, weil ich wusste, wie ich damit umgehen muss.

BLANK: Zwei Berliner Originale machen gemeinsame Sache – wie kam es dazu, dass du Kurt Krömer für die Skits verpflichten konntest?
SIDO: Ich war damals zu Gast in seiner Sendung, die war sehr lustig und wir haben uns gut verstanden, uns ab und zu mal wiedergetroffen... ich weiß nicht, wie so was entsteht. Dann rufen sich die Managements gegenseitig an, und so weiter.

BLANK: Das war aber schon deine Idee?
SIDO: Ja, so wie auch alle „All Eyes On“-Trailer auf MTV. Ich werde auch an einer seiner Live-Shows mitwirken. Die letzte Show seiner Tour macht er in Berlin, und da möchte er etwas Besonderes machen.

BLANK: Wie ist das „All Eyes On“ mit den amerikanischen Pennern entstanden?
SIDO: Als ich in L.A. mein Album aufgenommen habe.

BLANK: Wieso hast du in den USA aufgenommen und nicht in der Heimat?
SIDO: Weil ich grundsätzlich nicht in Berlin bin, wenn ich an einem Album arbeite. Aufnehmen könnte ich auch zu Hause, aber es geht ums Schreiben. Das geht in Berlin nicht. Ich muss mich dafür immer abkapseln, sonst werde ich abgelenkt. In einem Monat L.A. habe ich fünfzehn Lieder geschrieben, das würde zu Hause nicht klappen. Obwohl ich die Ideen natürlich vorher dort sammle.

BLANK: Kurt Krömer, Sido, Peter Fox. Ihr seid alle Berliner Künstler, die mit ihrer Kunst ein persönliches Bild von der Stadt zeichnen. Meinst du, dass das Bild, das Peter Fox kreiert hat, wirklich Berlin repräsentiert?
SIDO: Er repräsentiert das Szene-Berlin. Das ist so richtig Friedrichshain oder das neue Kreuzberg. Jedenfalls nicht der Berliner Durchschnitt. Trotzdem ist das sehr gute Musik.

BLANK: Du erlebst gerade einen erneuten Karrierehöhepunkt. Kann da noch was kommen?
SIDO: Oh ja, im nächsten Jahr kommt noch so einiges. Ich werde in einem Film mitspielen und spiele jemanden, der mir sehr ähnlich ist, auch aus dem Märkischen Viertel kommt und Rapper ist. Und ich mache nächstes Jahr ein MTV Unplugged. Dafür befinden wir uns schon mitten in den Proben.

BLANK: In welchem Rahmen wird das stattfinden?
SIDO: Das wird ein MTV Unplugged live aus dem Märkischen Viertel. Es findet in einer Veranstaltungshalle, dem Fontanehaus, statt. Die Bühne wird aber aussehen, als wäre es draußen. Man muss beim Unplugged sitzen, das ist eine Auflage. Deshalb sieht die Bühne aus, wie das MV. Und ich sitze dort auf der Lehne einer Parkbank. Vor meinem Block.

(Teresa Mohr)

MUSIKDEZEMBER 2009

Konzert: William Fitzsimmons

Es hätte auch ganz anders kommen können, die Gedanken und Melodien in Fitzsimmons Kopf hätten zwischen Wartezimmer und Behandlungsliege zerstäuben können und „die Welt da draußen“ wäre nie in den Genuss seiner vor Ehrlichkeit und Nähe schmerzenden Texte und Melodien gekommen. Nun schafft es Fitzsimmons Musik und seine Leidenschaft zur Analyse der menschlichen Seele auf wundervolle Weise zu verbinden. Das Ergebnis gibt es auf den letzten Konzerten seiner aktuellen Tour im Dezember zu bewundern.

Termine:

03.12. Münster, Gleis 22
17.12. Hamburg, Übel & Gefährlich
18.12. Kiel, Weltruf

MUSIKNOVEMBER 2009

Von singenden Therapeuten und seltsamen VÖgeln

Der Songwriter William Fitzsimmons ist auch Seelenklempner. Seinem neuen Album „The Sparrow And The Crow“ hört man das deutlich an, denn auf diesem widmet er sich der Analyse des Niederganges seiner Ehe. So präzise und ehrlich, dass einem beim Hören wahlweise die Schamesröte ins Gesicht steigt oder Tränen in die Augen schießen. Doch genau so muss es sein. Und Fitzsimmons, der alte Schlaumeier, weiß eines ganz genau: die Hoffnung stirbt zuletzt.

BLANK: Die erste Zeile in deiner Biographie lautet „William Fitzsimmons ist eine der seltsamsten Personen, die du jemals treffen wirst.“ Wieso?
William Fitzsimmons: Ich fühle mich anderen gegenüber immer so, als wäre ich ein komischer Kauz. Die einzigen, die mich an Seltsamkeit noch übertreffen, sind die Patienten, mit denen ich arbeite.

BLANK: Apropos Patienten – wann wusstest du, dass du Psychotherapeut werden möchtest?
WF: Das liegt wohl an meiner Kindheit. Meine Familie hat harte Zeiten durchgemacht, so wie es viele Familien tun. Und ich mochte die Vorstellung, solche Dinge wieder in Ordnung zu bringen. An der Uni war Psychologie eine meiner ersten Vorlesungen, und ich habe mich vollkommen in dieses Thema verliebt. Es hat einfach etwas, den Kopf jemand anderes zu erforschen. Aber im Grunde genommen ging es mir wahrscheinlich nur darum, mich selbst zu therapieren.

BLANK: Was man ja grundsätzlich allen nachsagt, die Therapeuten sind.
WF: Ja, nicht ohne Grund. Aber das ist ja okay, weil sie schon mal realisiert haben, dass mit ihnen etwas nicht stimmt. Die Menschen, vor denen man Angst haben sollte, sind diejenigen, denen nicht bewusst ist, dass sie Probleme haben.

BLANK: Hast du jemals Musik für therapeutische Zwecke eingesetzt?
WF: Ja, jeden Tag. Um mich zu therapieren, bei Patienten nicht. Aber auch durch meine Musik lasse ich den Leuten, die sie hören, so etwas wie eine musikalische Therapie zukommen.

BLANK: Du bist dabei sehr, sehr ehrlich, was deine Gefühle anbelangt. Ist es nicht ganz schön heftig, solch intime Gedanken einer breiten Öffentlichkeit zugänglich zu machen?
WF: Das wäre es gewesen, bevor ich als Therapeut gearbeitet habe. Aber ich finde das wichtig und bin auch in gewisser Weise stolz darauf, dass ich das kann, meine Gefühle so offen teilen. Wenn man jahrelang mit Menschen gearbeitet hat, die vor einem sitzen, und Dinge sagen wie „Das Einzige, was ich jetzt möchte, ist, mir das Leben zu nehmen.“, dann ändert das die Perspektive auf Ehrlichkeit und Offenheit im Umgang mit Gefühlen. Zu erfahren, dass Menschen sich von allem entledigen, was in ihnen ist – und es ihnen, wenn alles gut läuft, im Nachhinein besser geht. Wenn man so etwas erfahren hat, ist es keine große Sache, ein Album zu schreiben, in dem, wie bei mir, die Scheidung thematisiert wird.

BLANK: Das Album heißt „The Sparrow And The Crow“. Wer besetzt im Konflikt welche Position?
WF: Ich habe mich mit der Symbolik dieser Vögel beschäftigt. Der Spatz ist das liebende, ehrliche, zugewandte Individuum und die Krähe ist die teuflische, dunkle, böse Person. Ich kann dir nicht genau sagen, wer die Krähe ist… aber ich denke, es ist ein Mann mit Rauschebart. Es gehören immer zwei zu einer Beziehung, aber in diesem Fall habe ich es versaut.

BLANK: Trotzdem gelingt es dir auch in deinen Songs, immer Hoffnung mitschwingen zu lassen.
WF: Nicht jeder hört das auf der Platte. Aber es ist so. Ich hatte keine Wahl, ich musste mich an die Hoffnung klammern. In dieser Situation ging es mir sehr schlecht, aber da muss man durch, um wieder bei null anfangen zu können. Das ist Karma.

(Text: Teresa Mohr/Fotografie: Tim Gaylord)

MUSIKDEZEMBER 2009

BLANK prÄsentiert: Die Turnschuhklappe

Am Montag, den 14.12.2009, präsentiert BLANK den Kick-Off-Event für Andre Hellers Projekt DIE TURNSCHUHKLAPPE, ein unkompliziertes 'von den einen nehmen und den anderen geben'. In diesem Fall Turnschuhe von den Firmen nehmen und sozial schwächeren Kindern und Jugendlichen geben. In Kooperation mit dem Kinderprojekt Arche. Zu diesem Anlass haben sich ein paar namhafte Musikschaffende bereit erklärt ein paar Klänge für den guten Zweck zu generieren. Also, Partyalarm! Und nicht vergessen: Dresscode Turnschuh.

Die Turnschuhklappe mit PRINZ PI, NICO SUAVE, LEXY, SVEN VAN THOM, NILZ BOKELBERG u.a.

14.12.2009 Rodeo Berlin, Auguststr. 5, 2000h

MUSIKOKTOBER 2009

Konzert: Virginia Jetzt!

Das deutsche Popfirmament ist am leuchten und glitzern. Die Sterne weisen längst nicht mehr nur den Hamburger Nordlichtern ihren Weg, sondern verteilen sich über die ganze Republik. Verteilen ist wohl etwas übertrieben, vielmehr pilgern sie alle gen Osten, nach Berlin, wo die Wiesen noch grün und die Ohren der Fangemeinde jungfräulich sind. Das dachten sich Virginia Jetzt! vor einigen Jahren auch und besingen eben dieses Gefühl in ihrem neuen Album „Blühende Landschaften“. Nachdem ihr letztes Album „Land unter“ nicht den ersehnten Erfolg brachte, erlebt die Band nun eben doch erst mit ihrem dritten Album ihren zweiten Frühling. „Verschwende deine Jugend“-Regisseur Benjamin Quabeck liefert das passende Video zur ersten Singleauskopplung „Dieses Ende wird ein Anfang sein“.In unserem Sommershooting haben die vier Jungs bewiesen, dass sie ganz getreu dem Motto „Laissez Faire“ genießen können – mit drei Models am Spreeufer, na wenn das nicht mal ein Anfang ist!

Termine:

15.10.09 - Leipzig, Werk 2 (Halle A)
16.10. Köln, Gebäude 9
17.10. Dortmund, FZW/Freizeitzentrum West
22.10. Berlin, Postbahnhof
23.10. Rostock, Mau Club
24.10. Hamburg, Grünspan
05.11. Stuttgart, Röhre
06.11. Frankfurt/Main, Nachtleben
07.11. Münster, Gleis 22
12.11. Nürnberg, Hirsch
14.11. A-Innsbruck, Weekender Club
15.11. A-Graz, Orpheum
17.11. A-Wien, Flex
19.11. Würzburg, Posthalle
20.11. Weinheim, Café Central
21.11. Erfurt, Centrum
21.11. Erfurt, Centrum Erfurt
24.11. Magdeburg, Projekt 7 e.V.
26.11. Hannover, MusikZentrum
27.11. Magdeburg, Projekt 7 e.V.
28.11. Dresden, Scheune

MUSIKNOVEMBER 2009

JÄgermeister Rock: Liga mit The Films, Silversun Pickups und Amusement Parks On Fire

Es scheint eine feste Institution zu werden, dieser musikalische Wettstreit im Zeichen des Hirschs, in dem sich Rock und Fußball so nahe kommen, wie sonst selten. Nachdem in den letzten Jahren publikumsgeliebte Bands wie Deichkind, Mediengruppe Telekommander, Clawfinger und zuletzt die Partykönige von Friska Viljor das Rennen um die begehrte Meisterschale für sich entscheiden konnten, versuchen in diesem Jahr The Films aus South Carolina, die Silversun Pickups aus Los Angeles und die Briten von Amusement Parks On Fire die erste Gruppenphase zu überstehen. Angetreten wird in dieser Gruppe mit Gitarre, soviel sei versprochen. Mal mehr, mal weniger rockig oder Indie oder lärmend, verspielt, straight oder tight. Nur eines ist sicher: einfach wird es das Publikum nicht haben. Die weiteren zwei Gruppen werden übrigens im Herbst bekannt gegeben, doch wahrscheinlich wird man sich nicht lumpen lassen. Seit man die Lemonheads zumindest bereits mal ankündigen konnte, braucht diese Veranstaltung keine Credibility mehr. Institutionen sind nun mal Institutionen.

Termine:

16.11.2009 Frankfurt, Batschkapp
17.11.2009 Stuttgart, Longhorn
18.11.2009 München, Backstage Werk
19.11.2009 Hannover, Faust
20.11.2009 Rostock, Mau Club

MUSIKNOVEMBER 2009

Konzert: Helgi Hrafn Jonsson

Sein Name mag nicht besonders werbewirksam sein, zumal der Zweitname „Hrafn“ erstens ein echter Zungenbrecher ist und zweitens in seiner Muttersprache Isländisch „Rabe“ bedeutet. Was trotzdem nicht bedeuten muss, das Helgi Jonsson wie einer krächzen würde. Ganz im Gegenteil. Er hat eine wunderschöne, sanfte, androgyne Stimme. Seine Musik ist verspielt und doch klassisch. Singer-Songwriterstoff, der beherrscht wird von Gitarre und Stimme. Der sanft berührt und tief sticht. Und ab und zu mit Streichern und Mitmachmelodien ein zartes Band zwischen Folk und Pop knüpft. Als wäre das nicht schon erfreulich genug, sieht Jonsson auch noch unverschämt gut aus. Man wundert sich, das der Wahl-Wiener zwar schon im Rahmen seines Engagements beim „Icelandic Folk Ensemble“ mit Sigur Rós auf Tour, dafür aber noch nicht in Advertorials für namhafte Designer zu sehen war. Eigentlich schade. Aber in Anbetracht des zweiten Albums „For The Rest Of My Childhood“ durchaus zu verschmerzen. Selbiges stellt Helgi Jonsson im Rahmen des „Nordrid Iceland Express Musik Klub“, der schon Gus Gus in unsere Heimat verschiffte, vor, und wärmt uns das novemberkalte Herz mit seiner sanften Stimme und seinem elfenbeinfarbenen Gesicht.

Termine:

25.11. München, 59:1
27.11. Köln, Studio 672
28.11. Hamburg, Prinzenbar
29.11. Berlin, Admiralspalast 101

MUSIKDEZEMBER 2009

T-Mobile Extreme Playgrounds

Die World Cup Skateboarding Tour dürfte nicht nur dem aufmerksamen Extremsportbegeisterten eine wohlbekannte Veranstaltung sein. In diesem Jahr wird das Finale des Rollbrett-Kräftemessens im Rahmen der T-Mobile Extreme Playgrounds im Berliner Velodrom ausgetragen. Mit dabei sind neben anderen Spitzenfahrern der letztjährige Street Session-Gewinner Rodolfo Ramos (Brasilien) sowie der mehrfache X Games-Gewinner und Titelverteidiger Pierre-Luc Gagnon aus Kanada. Als Live-Act wurden neben Deichkind jetzt auch noch die großartigen Puppetmasters bestätigt, es wird also nicht nur die Pipe, sondern auch die Bühne gerockt. Und wer nicht schon beim Zuschauen ins Schwitzen gekommen ist, wird es spätestens tun, wenn sein Körper von fetten Beats hin- und hergeschüttelt wird.

Termin:

06.12. im Berliner Velodrom

Für die Veranstaltung verlost BLANK 1x2 Tickets. Schickt dazu einfach bis zum 30. November eine Mail an verlosung(at)blank-magazin.de. Weitere Informationen und Tickets gibt’s unter www.t-mobile-playgrounds.de!

MUSIKOKTOBER 2009

Verspielt, verpeilt: Juliette LEWIS

Juliette Lewis hat eine neue Platte gemacht. Eigentlich schreibt sie aber schon an den Songs für eine neue. Es kommen auch ein paar Filme mit ihr.

In „Betty Anne Waters“ spielt sie eine kleine Rolle neben Hillary Swank. In „Whip It“, dem neuen Film von und mit Drew Barrymore spielt sie auch mit. Ebenfalls in „Sympathy For Delicious“, an der Seite von Orlando Bloom, und in „The Aster“, einer neuen Komödie mit Jennifer Aniston.

Und dann hat sie noch Synchro für einen animierten Film namens „Metropia“ gemacht, weiß aber nicht mehr genau, ob es ein schwedischer war, und darauf angesprochen weiß sie auch nicht mehr darüber zu berichten. Eigentlich schade, so lassen Namen von Schauspielkollegen wie Vincent Gallo, Udo Kier und Stellan und Alexander Skarsgard, die ebenfalls ihre Stimmen für diesen Film hergaben, eigentlich ein ambitioniertes und spannendes Projekt vermuten. Doch heute geht es auch mehr um die Musik von Frau Juliette Lewis und ihrer neuen Band, den New Romantics. Das ist verständlicherweise alles etwas langweilig, bedenkt man, dass wir, laut Aussage der begleitenden PR-Frau, bereits das zehnte Interview an diesem Tag sind, es ist ganz sicher auch nicht befriedigend. Die Antworten, das Lächeln. Das hat zwar was, sorgt sogar für Assoziationen und sich aus der eigenen Sozialisation ergebende Sentimentalitäten und für zeitliche Winzigkeiten hat man sogar den Eindruck, tatsächlich eine Art von Interesse in ihren Augen aufblitzen zu sehen. Doch man kann sich auch täuschen.

Juliette Lewis spielt ihre Rolle der abgefuckten Musikerin par exellence, vielleicht muss sie sich auch nicht besonders anstrengen um das Bild herbei zu bemühen, welches sie gerne von sich etabliert hätte. Doch wie Teresa Mohr in unserer letzten Ausgabe bereits über „Terra Incognita“, der aktuellen Platte von Juliette Lewis and The New Romantics, zu schreiben wusste: „Trotz des Mutes, des guten Vorhabens und einiger schön verspielt-verpeilter Songs klingt das Album ab und an nach jemandem, der zu viel The Doors gehört und sich dazu Tool-Videos reingezogen hat. Ein bisschen gewollt.“

Bleibt zu hoffen, dass Juliette Lewis demnächst wieder das einlöst, was man sich von ihr versprochen hatte: eine der begnadetsten Schauspielerinnen ihrer Generation zu sein.

(Johannes Finke)

MUSIKNOVEMBER 2009

T-Mobile Street Gig mit Polarkreis 18

Die Männer aus dem Märchenwald sind zurück. Nachdem sie die kindliche Kaiserin aus dem Elfenbeinturm befreit haben, treten Polarkreis 18 nun erneut an, um das Publikum mit ihrem Sound irgendwo zwischen Aha und Unendliche Geschichte zu beglücken. Frontmann Felix Räuber wird diesmal nicht barfuß über die Bühne tänzeln, während der Rest der Band ihren hymnenhaften Gänsehaut-Sound übers Volk streut wie glitzernden Schnee. Denn im Rahmen der T-Mobile Street Gigs spielt die Band, die mit ihrem zweiten Album „The Color Of Snow“ Platz 14 in den deutschen Charts erstürmte, thematisch passend in einem Eislaufstadium.

Termin:

03.11. auf der Kunsteisbahn der Eissporthalle Frankfurt

MUSIKSEPTEMBER 2009

Konzert: BjÖrn Kleinhenz

„Burma“ bedeutet „Be Undressed and Ready My Angel“ und war eine bei amerikansichen Soldaten im 2. Weltkrieg gern verwendete Grußformel für Ansichtskarten. Songwriter Björn Kleinhenz hat seine neue Platte so betitelt. Passt irgendwie immer alles zusammen bei dem symphatischen, feinfühligen Musiker mit Gänsehaut-Garantie. Passt auch live.

Termin:

24.09. Hamburg, Hasenschaukel „About Songs / Reeperbahnfestival“
25.09. Hannover, Nice Nice Gallery
26.09. Münster, Amp
27.09. Bielefeld, Kamp w/ Windmill, The Black Atlantic
28.09. Kassel, Rotopol Gallery
29.09. Göttingen, Blooming Bar
30.09. Köln, Stereo Wonderland
01.10. Solingen, Cobra
03.10. Frankfurt, Klappergasse 16
05.10. Trier, Cafe Lübke
07.10. CH-Basel, Parterre
08.10. CH-Rorschach, Mariaberg w/ Windmill, The Black Atlantic
09.10. CH-Sursee, Kulturwerk 118 w/ Windmill, The Black Atlantic
10.10. CH-Zürich, tba.
11.10. CH-Bern, House Show
12.10. CH-Genf, Tikis Pub
17.10. A-Wien, VSA @ Gasthaus Vorstadt
20.10. Görlitz, Stille Post
21.10. Berlin, Intersoup
22.10. Berlin, Schokoladen
23.10. Leipzig, Ilses Erika
24.10. Erlangen, House Show
27.10. Dresden, AZ Conni

MUSIKOKTOBER 2009

Neue Deutsche Schlachtplatte
oder: „…hÖr´ auf dein Herz“.

Wieso redet eigentlich niemand über die völlige Homogenisiereung der Musiklandschaft? Über die sich immer mehr – in Erscheinungsbild und Inhalt – angleichenden Printmedien. Über die perfide Ästhetik des Konsens. Darüber das ALLE immer ALLES hörenswert oder irgendwie toll finden. Was ist der Sinn von konstruktiver Kritik, wenn man auch die unterdurchschnittlichsten Acts immer irgendwie o.k. finden muss? Aus welchen Gründen auch immer: Wegen der PETA Credibility, der bewegten Lebensgeschichte des Sängers, den Bonusverrechnungen wegen eines halben Hits von vorletztem Jahr, wegen der tollen Ex-Band des zweiten Gitarristen, wegen der bisexuellen Keyboarderin, wegen der schicken Fotostrecke in einem Magazin, oder aber aus Mitleid. Es muss doch irgendwann einmal mit dieser Almosenmentalität reichen.

Sag NEIN zur Musik die dich nicht überzeugt. Bei den Hunderten von Albumveröffentlichungen pro Monat kann man inzwischen getrost davon ausgehen, dass neben den 10 irgendwie besonderen, weil strangen (also nicht gleich faßbaren) Platten und den 20 (zumindest anfänglich) hörenswerten, nichts weiter spannendes dabei ist. Das ist mein völliger Ernst. Denkt euch den Prozentsatz. Der erschreckende Großteil dieser Flut, wird nämlich von absolut mediokren Interpreten, Stumpfbirnen und frisch frisierten Copycats ausgemacht, deren Pressewaschzettel sich zwar vordergründig interessant anhören mögen, deren musikalischer Inhalt sich dann aber lustig diametral zur honigsüssen Promo verhält. Definitorisch heißt das dann, glaube ich, Mogelpackung. Von den Best Of´s, Chartssellern, genrespezifischen Frankensteins, Trance-Compilations und Reissues rede ich gar nicht. Eher von aktuellen „Artists“, wie es so schön heißt. Also in diesen spezifischen Fall: Indierock-. Punkrock-. Electronica- und Pop-Produktionen. Auch von deutschen Bands.

Ich mag eigentlich gar nicht über Musik kotzen. Ehrlich gesagt ist mir dafür die Zeit zu schade, doch wenn ich mir „Blühende Landschaften“ von VIRGINIA JETZT! zu Gemüte führe, komme ich einfach nicht umhin, über die ganze bigotte Lächerlichkeit zu schmunzeln, die vielen zeitgenössische deutschen, wie auch deutschsprachigen Bands innewohnt. Auch als popkultureller Witz, als zwinkerndes Zitat, als abgeschmackte Indiesubversion wäre „Blühende Landschaften“ ein Schuss in den berühmten Ofen. Die meinen das jedoch absolut ernst. Damit beginnt auch die eigentliche Tragödie. Wie viel überzuckerten Herzschmalz kann eine Band eigentlich auf Polybicarbonat pressen? Anscheinend so viel das sich nach spätestens drei Songs bereits Metastasen an/in den Ohren bilden. Zucker als Treibstoff für Krebszellen. Macht hier auch durchaus Sinn. Die Seichtheit, mit der hier vorgegangen wird, mit den Werken der MÜNCHNER FREIHEIT zu vergleichen, ist so uncool wie vollidiotenkonsenssicher, klar. Da kann mann jetzt natürlich mit der Popgeschichtetrumpfkarte wedeln. Damit tut man aber den Münchnern und ihrem flauschigen Achtzigersound bestimmt keinen Gefallen. Die Jungs um Sänger Stefan Zauner waren damals einfach nur ein harmloser Dieter Thomas Heck-Hitparadenakt. Romantisch verklärt und dem Vollkitsch verpflichtet. Und als solches wollten sie ja schließlich nicht die Beatles sein und auch noch die gefärbten-Pony-tragende Indiecrowd für sich gewinnen. Und die Styler. Und die Mädels. Alle Mädels. Und die Kritiker. Und den Bundesvisionsongcontest. Die oberen Chartsregionen. Number One!

Die Hölle bricht unvermittelt los.

Gleich der Opener weckt unangenehme Assoziationen an entblößten Schulbandpathos samt schmierigen Keyboards, unappetitlich verträumten Vocals und standartisierten Gitarren. Fremdschämen geht genau so. Wie es klingt? In etwa die Billoversion der ohnehin schon schlimmen Escobar. Und es wird im weiteren Verlauf bestimmt nicht besser. Allerorts Midtempo, Scheissreime, flirrende Achtel. Die Söhne Mannheims des Herzschmerzindie. Teenage Fanclub in der teutonischen Wattebauschvariante ohne einen einzigen (!) zwingenden Moment. Nichtssagend und blutleer tuckern sich VIRGINIA JETZT! durch einen aufgeblähte Galaxie des Wohlklangs, an ranziger Radiofreundlichkeit kaum zu übertreffen und immer zielsicher die nächste Jauchegrube ansteuernd. Nicht ein einziger, irrlichtender Funken Energie. So was Totes habe ich seit letztens Michael Jackson nicht mehr gehört. Selbst das neue PUR-Album hat irgendwie mehr Drive. Textlich, wie auch (rein funktionell betrachtet) musikalisch, ist das Gehörte mindestens ebenso irrelevant wie auch arrogant tönend. Sterbenslangweiliger, statischer und auf Connaiseur machender Seelenbalsam. Trotz zünftigem Streicherbeschuss, runder Produktion und nach „Hookline“ schreienden, nun ja, „Hooklines“, bleibt das Werk zu Teeniesäuselei vergorene musikalische Grillsoße. ECHT haben das vor zig Jahren um einiges besser hinbekommen. Sorry. Da kann man als Band noch so inspiriert sein, und sich mal für ein Jahr einschließen um ein Meisterwerk abzuliefern. Ihr könntet euch jetzt einfach auch mal ruhig für zehn Jahre wegschließen um euch mit dem nächsten Meisterwerk die Weltherschaft zu sichern. Zitat aus „Hollywood“: „Es tut noch weh....“. Jungs, wenn ihr wüßtet wie recht ihr damit habt.

TELE sind immer eine dieser soliden Steely Dan-Coolness vor sich hertragenden Weichspüler gewesen, die man nie wirklich schlecht finden konnte. Dafür wusste die Band einfach zu viel von geschmäcklerischem Songwriting, phänomenologischen Wortgeschöpfen und ornamentaler Melancholie. „Jedes Tier“ nimmt dass subtile Jazzelement aus dem bandeigenden Sound und erweitert den Klangraum stattdessen etwas um englischsprachige Slogans, Duran Duran bzw. Maroon 5-Tanzbarkeit, Kifferatmosphärik, Slapbass und Radioschmonzetten. Wäre eigentlich nicht nötig gewesen. Die Neuerungen sind fast allesamt ziemlich redundant und machen so manches mal eine eigentliche sympatische Band dann mitunter mal eher unsympatisch. Francesco als Simon Le Bon? Lass mal. Da fehlt der Glamour und das Koks. Das sorgt zuweilen für eine funkige Hüftsteifheit, die sehr schön aufzeigt, dass jedes System seine Grenzen hat, aber nicht unbedingt kennen muß. Alles in allem befinden sich die Ex - Freiburger aber mit ein paar schönen Songs auf der sicheren Seite. Was auch immer das bedeuten mag. Zumindest kann man das Album auzugsweise anhören ohne gleich vor Fremdscham zu sterben.

Das passiert dann spätestens bei Muskelschwund, ich meine natürlich: KARPATENHUND. Die Band um Sängerin Claire überzeugt mit absolut lausigen Loops, ooops, ich meine natürlich Songs, die sich so was von auf dem zeitgenössischem Rockfriedhof zusammengeklaubt anhören: keine Melodie, kein Beat, kein Schläfenpochen, kein übermannt werden vom Glück, an einem universellen Gefühl namens POPSONG zu partizipieren. Nur tote Zitate in einer in fetttriefend nach Credibility und Electronica schreienden Produktion (Peter Deimel, Tony Doogan! Peter Katis!!) und absolut vorhersehbaren Songs, die sooooo gerne die inzestuösen Kinder von The Cure, Killers, Interpol und Joy Division, etc. wären. Und weil der Sound absolut NICHTS transportiert, müssen dann eben die Titel das Melancholiekontingent, also die (leider immer noch) trendige New Wave/New Romantic Stigmatisierung vor sich her tragen wie einen Sack voll ausgeblichener Knochen: Wald. Rorschach. Boden. Hahahaha. Huch, sind wir aber weit vorn.

Über den furcheinflößend ton- und emotionslosen Gesang muss und sollte man ebenfalls keine Worte verlieren...aber weil´s so Spass macht: Die Frontfrau scheint eine weitere der unzähligen Damen zu sein, die ihre (Kopf-)Stimme einfach nur als Mädchenhauchen stilisiert hat, ohne auch nur einen einzigen Ton auszusingen. Energie? Fehlanzeige. Es nervt, wirkt absolut gewollt lasziv und ist bestimmt nicht sexy. Die einzige hervorzuhebende Leistung der Sängerin ist es jedoch, absolut souverän ein knappes Dutzend Stücke lang in ein-und dererselben Tonlage, auf einer handvoll Tönen rumzureiten. Wow. Davon abgesehen sollte eine Stimme authentisch sein. Die hier ist´s nicht. Dieses verhuschte, aber nach vorne gemischte Etwas, ist ja nicht mal in den sterbenslangweiligen Songs verankert. Das wirkt wie ein Sahnehäubchen aus Labial- und Diphtonglauten auf einer Torte aus Secondhand-Preset-Schrott. Was soll das? Wenn Muskelschwundhund es tatsächlich schaffen sollten mit „Der Name Dieser Band Ist...“ Geld und Fans hinzuzugewinnen, werde ich in Zukunft nur noch JENNIFER ROSTOCK hören. Versprochen.

„Der Film“ ist zumindest der Versuch, ein großes Poprockfaß aufzumachen. Nichts mehr mit Indie. Eher Großraumrockdisse mit einem Merchandisestand, der mindestens so groß ist wie der Schuppen, in dem du mit deiner Band letztens mal gespielt hast. Trotz großflächiger Halstattoos der notorisch überdrehten Frontfrau, ist das hier der scheissfreundliche aber immerhin angenehm hibbelige Status Quo der deutschen Radio- und Festivalpoprocklandschaft. Balladen, Uptemposongs, lustige Screamoeinsprengsel, viel NDW-Gezicke, Raised-Fist-Stadionkompatibilität und Kraftmeierei. Echt sympathisch. Die besseren Silbermond. Die punkrockigeren Juli. Es darf dann auch ruhig mal über sich selbst und das alberne Anything-Goes-Gepose des Albums gelacht werden („Nenn mich nicht Jenny“). Das Booklet, das dummdreist und auf´s plakativste mit Filmfiguren und Settings spielt, spricht da Hochglanzbände. Insgesamt also eine absolut hassenswerte Angelegenheit aber eigentlich natürlich voll in Ordnung. .Musik zum Jeans verkaufen. Damit die Boutiquen nicht immer nur „Heavy Cross“ von THE GOSSIP spielen müssen.

(Daniel Vujanic)

MUSIKSEPTEMBER 2009

Von einer Frau, die auszog, um uns das FÜrchten zu lehren

So mancher hat sich auf das Erscheinen von Peaches‘ neuem Album in diesem Sommer sehr gefreut. War ja auch schön. Die Auseinandersetzung mit der Künstlerin eher weniger. Denn Miss „Fuck The Pain Away“ hat zwar jede Menge zu erzählen – doch wie, ist eine andere Frage.

Für viele verkörpert Musik etwas, das über den Dingen steht. Etwas Göttliches. Vielleicht sind viele von diesen Vielen auch deshalb versucht, die Interpreten dieser oder jener Musik auf einem unsichtbaren Thron aus Zucker und Gold zu platzieren. Und auch ich bin nicht davor gefeit. Vielleicht sitzt Peaches nicht auf einem Thron aus Zuckerzeug und glitzerndem Edelmetall, aber zumindest schaue ich zu ihr auf. Halte sie für eine Galionsfigur in Sachen Feminismus und Auflösung festgefahrener Geschlechterrollen. Aber, wie sagt man so schön und abgeschmackt: Irren ist menschlich. Und wie.

Meriil Nisker, wie die Erfinderin des Electroclash mit bürgerlichem Namen heißt, hat in den letzten zehn Jahren eine ziemlich starke Performance hingelegt, wenn es darum geht, den Mann aus der Frau herausbrechen zu lassen und frei Schnauze übers Ficken zu sprechen. Performance... Dem Grund dafür möchte ich in einem Gespräch nachgehen.

Nachdem sie in der letzten Nacht aus Japan in ihre Wahlheimat Berlin zurückgekehrt ist, hat sie nur noch Zeit für ein Last-Minute-Telefoninterview. Schade, habe ich mir doch ein, wie mir gesagt wird, mutiges Thema für das Gespräch mit der Kanadierin zurechtgelegt. Heute soll nicht ihr neues Album „I Feel Cream“ im Zentrum der Aufmerksamkeit stehen, sondern die Person hinter dem auf der Bühne den Dildo wie ein Schlachtschwert schwingendem, sein androgynes Auftreten zelebrierendem Weibsbild named Peaches.

Doch schon die erste Frage zum Thema Stoffwechselendprodukte und deren Thematisierung in der Öffentlichkeit stößt auf - formulieren wir es schmeichelhaft - Ablehnung. Der Jetlag scheint Peaches die Grundlagen des menschlichen Miteinanders vergessen zu lassen. Sie wüsste gar nicht, was ich da reden würde, sagt sie. Und verschreckt mich. Wer hätte gedacht, dass eine Frau, die sonst scheinbar über den Dingen steht, sich von solch einer harmlosen Frage so auf die Palme bringen lässt?

Ungeachtet dessen frage ich todesmutig nach dem Grund für die Tatsache, dass das Gender-Thema ihr gesamtes kreatives Schaffen beherrscht und erfahre, dass eine transsexuelle Sandkastenfreundin und deren damit einhergehende Leidensgeschichte Merill schwer beeinflusste.

Ein paar Minuten später dann die entscheidende Frage nach dem Ich hinter der Kunstfigur Peaches und die fast schon vorhersehbare Antwort: „That’s nobody’s business.“ So tough, wie das Image der mittlerweile nicht mehr ganz so jungen Dame auch sein mag – sie ist es nicht.

(Teresa Mohr)

MUSIKAUGUST 2009

Konzert: SAFI

Das hatten wir ja schon seit Surrogat nicht mehr – noisy Deutschpunk mit poetischem Anspruch. Bei SAFI gibt’s dank einer Frontfrau, die mehr Power als ein Duracell-Häschen hat und lieber schreit, was sie fühlt, anstatt bloß lieblich zu säuseln, noch das feministische Sahnehäubchen obendrauf. Süß ist da trotzdem nichts. Schon auf Platte zerrt einem das Debut „Kalt“ an Trommelfell und Herz, und live gibt es so richtig auf die Fresse. Klar, dass BLANK die Tour präsentiert.

Tourdaten:

14.08. Fulda, Kreuz
18.09. Negenborn, Kanapee
19.09. Warburg, Kuba

MUSIKSEPTEMBER 2009

KONZERT: A Flock Of Seagulls

Die 80er sind nicht nur modisch sowas von zurück. Auch musikalisch erlebt die Zeit der Schulterpolster und der mega-tighten Röhrenjeans eine Renaissance. Und so ist es doch mehr als erfreulich, auch noch Künstler zu Gesicht beziehungsweise Ohren zu bekommen, die schon bei der ersten Auflage der 80's mitgemischt haben. A Flock Of Seagulls gelten mit ihren Hits, wie „I Ran (so far away)“ als Mitbegründer des New Romantic und werden bei ihrem Gig am 10. September nicht nur das Rad der Zeit zurückdrehen, sondern die Wurzeln heutiger Popmusik offenlegen. Denn additiv um Live-Konzert wird der Abend im Dot Club von DJ's begleitet, die den Bogen von New Wave über New Romantic bis Electropop à la La Roux spannen.

Tourdaten:

10.09. live @ Dot Club Berlin

MUSIKSEPTEMBER 2009

KONZERT: Das Bell Orchestre im Berliner Kesselhaus

Das Bell Orchestre aus Kanada ist eine außergewöhnliche musikalischen Perle. Das ist nicht überraschend, wenn man bedenkt, wer hinter diesem Projekt steckt – Mit Richard Reed Parry und Sarah Neufeld haben nämlich Arcade Fire ihr Händchen mit im Spiel. Die Band verzichtet weitgehend auf Gesang, setzt voll auf die Instrumente. Die wiederum sind recht vielfältig und nicht gerade alltäglich besetzt. Kontrabass, Geige, Horn, Trompete, Schlagzeug, Harmonika, Glöckchen, elektronische Klänge und Samples ergeben ein faszinierendes orchestral-symbiotisches Klangbild. Kammermusikalischer, beinahe sakraler Post-Rock vom Feinsten, ein wahrer Genuss auf höchstem musikalischen Niveau.

BLANK präsentiert das Konzert am 15.09. im Kesselhaus Berlin. Los geht es um 21 Uhr.

www.bellorchestre.com
www.myspace.com/bellorchestre

MUSIKAUGUST 2009

WIR WOLLen uns hiermit einfach allgemein von Deichkind distanzieren

Diese Jungs sind in aller Munde: „Der unerhörte Einfallsreichtum und die comichaften, grotesk übersteigerten Alphatier-Lyrics bleiben eine Offenbarung“, kann man zum Beispiel auf Spiegelonline über das neue Album „Sexismus gegen Rechts“ lesen. Vielleicht ist das so ein Phänomen, dass man bei Verlust von Verständnis die Coolheit und das vermeintlich anarchische und freche herbeibemüht, um nicht alleine dastehen zu müssen. BLANK möchte hier nicht bewerten, keine Feminismus- oder Anti-Nazi-Debatte losbrechen, sich nicht in die Wirren der politischen Korrektness begeben. BLANK wollte einfach nur mal nachfragen.

BLANK: Wie ist es bei euch mit dem Begriff Politik? Arbeitet ihr darauf hin, dass euer Album am Ende eine gewisse Grundhaltung ausdrücken soll?
DJ Craft: Man ist automatisch politisch wenn man über so etwas spricht. Aber es ist nicht so, dass wir es darauf anlegen.
Maxim: Nein, das entsteht aus sich heraus. Man sollte auch in erster Hinsicht darauf konzentriert sein, entweder das eine oder das andere zu machen. Sonst wird beim Musik machen der künstlerische Aspekt in den Hintergrund gedrängt. Man kann jedenfalls nicht sagen: „Ich mach’ jetzt mal ein SPD-Album.“

BLANK: Wenn beim Aufnahmeprozess gewisse Themen textlich verarbeitet werden, ist es dann so, dass innerhalb der Band ein politischer Diskurs stattfindet?
DJ Craft: Ja, aber das passiert auch ohne eine Zeile aus einem Song. Wir lesen ja auch Zeitung – und dann fällt einem eine Schlagzeile auf, man liest das dann den anderen vor und es wird darüber gesprochen.

BLANK: Es geht um den Moment, in dem einer mit einer Zeile kommt und die anderen sagen: „Hey das können wir nicht machen!“
Maxim: Natürlich gibt es das. Unsere Sprache soll ja schon vertreten, was wir denken.

BLANK: Das hat ja viel mit Verantwortung zu tun.
Maxim: Nein, eigentlich nicht. Aber Tarek hatte beispielsweise so eine Zeile: „Wenn ich Promo brauch’, leugne ich den Holocaust...“ da ist schon die Frage aufgekommen, ob das deutlich genug die Sache verarscht. Es ist schon so, dass es uns wichtig ist, dass man merkt, ob wir uns von einer Sache distanzieren oder nicht.

BLANK: Es ist ja schon so, dass man sich im Prozess ein wenig einigelt und dann die Gefahr besteht, dass jemand, der die Tage im Studio, in denen ihr diskutiert und abwägt, nicht mitbekommt und die Aussage in den falschen Hals bekommt.
Maxim: So krass ist das glücklicherweise noch nie vorgekommen, aber wir sind ja auch vier Leute und beschäftigen uns damit. Wir reden viel über das, was wir schreiben und schreiben auch viel zusammen, von daher haben wir eine ganz gute Selbstkontrolle.

BLANK: Wie lange habt ihr am Album gearbeitet?
Maxim: Ein halbes Jahr.

BLANK: Am Ende wolltet ihr auch recht schnell auf den Punkt kommen, oder?
Maxim: Wir haben uns sehr lange Zeit gelassen, sind eben viel getourt und waren auch ein bisschen faul...
Tarek: Wir hatten schon immer was zu tun, haben Eindrücke gesammelt oder was auch immer. Es ist definitiv so, dass wir nicht faul waren.
Maxim: ...auf jeden Fall haben wir erst sehr spät angefangen, wirklich zu arbeiten.
Tarek: Wir arbeiten vor allem sehr hart an unseren Körpern... Das muss man unseren Körpern lassen.
Maxim: Es gibt nur drei Angelpunkte in unserem Leben: Bodybuilding, Religion und Autos.

BLANK: Inwieweit ist das noch Hip Hop, was ihr da gerade macht?
Maxim: Wir sind der Hip Hop. Das ist ja das Problem, die anderen bewegen sich gerade weg von dem, was wir machen und werden demzufolge weniger Hip Hop.
Tarek: Wir sind die Hüter und Wächter des Hip Hop.

BLANK: Berlin ist ja gerade sowieso ein Knackpunkt, oder? Aggro ist tot und SIDO macht Schlager. Hat euch irgendwas davon beeinflusst?
Tarek: Naja, wir machen auch Schlager. Uns beeinflussen eher solche Sachen wie der Holzklotzkiller von der Autobahnbrücke oder der Holocaust-Leugner. Man kommt jedenfalls nicht von ganz allein auf solche Sachen. Das ist schon so ein Endzeit-Album.
DJ Craft: Deshalb haben wir auch die Finanzkrise initiiert.
Maxim: Das ist so ein Promotool von uns.
DJ Craft: Wir machen eigentlich nur und beeinflussen alle um uns herum.
Maxim: Wie man eine Wirtschaftskrise herbeiführt, das kann man in „Obelix & Co Kg“ lernen. Da versuchen nämlich die Römer, Gallien zu übernehmen, indem sie dort den Kapitalismus einführen. Das ist die Wiedergutmachung für Tim & Struppi.
Tarek: Ich verstehe auch nicht, warum Tim & Struppi nicht auf dem Index landet, dafür aber „Porno-Party“ von Frauenarzt.

BLANK: Wer kam auf diese All Eyes On KIZ-Geschichte?
DJ Craft: Das war relativ kurzfristig, wir standen mit dem Kamerateam da, und mussten sehr schnell agieren – das war aus dem Bauch heraus.
Tarek: Wir hatten auch noch einen Clip von mir, der ist dann allerdings zensiert worden.
Maxim: Tarek scheißt ein Hakenkreuz, zündet es an und spült es die Toilette runter. Es gibt wohl einen Beschluss, der besagt, dass man ein Hakenkreuz zeigen darf, wenn es klar antifaschistisch verwendet wird. Klarer geht es doch gar nicht. Es wurde trotzdem nicht erlaubt.
DJ Craft: Ich denke, es wurde verboten, weil wir das Medium Kacke verwendet haben.
Maxim: Schnee und Kacke, das geht nicht bei MTV.

BLANK: Woher kommt bei euch eigentlich die Affinität zur linken Kultur?
Maxim: Das kommt von den Nazis.
DJ Craft: Mein Vater beispielsweise hat früher in Punkbands gespielt. Unsere Erziehung spielt schon eine große Rolle – ich bin in Kreuzberg geboren und aufgewachsen. Für mich war es immer normal, dass auf der Straße jedes Gesicht, dem ich begegnet bin, eine andere Hautfarbe hatte. Das lässt sich schwer beschreiben, aber wäre ich in einem bayrischen Dorf aufgewachsen, würde ich sicherlich anders ticken.

BLANK: Es ist ja schon sehr anarchisch, was ihr macht. Es geht ja nicht darum, Haltung zu bewahren und sich darzustellen, wie bei anderen Hip Hop-Protagonisten. Beispielsweise das All Eyes On Me – Ding – ihr nehmt euch nicht todernst.
Maxim: Das kann man ja aber auch inszenieren.

BLANK: Ja, aber da gibt es schon Parallelen zur Punk-Kultur.
Maxim: Es kommt sicher durch meine Eltern, auch wenn ich in einem bayrischen Dorf aufgewachsen wäre – dann wäre ich jetzt vielleicht ein bisschen belesener. Aber für mich war das schon immer das einzig Vernünftige. Ich hab’ mich auch immer engagiert, nicht bei irgendwelchen Hardcore-Antifagruppen, ich habe aber politisches Theater gespielt. Das ist einfach das normale Kreuzberger Umfeld.

BLANK: Ist das mehr Kreuzberg oder generell Berlin, habt ihr das Gefühl, dass eure Platte nach eurem Umfeld klingt? Peter Fox wird ja auch nachgesagt, dass er das Berliner Lebensgefühl mit seinen Texten repräsentiert.
Maxim: Es ist schon sehr gut, was er macht. Aber gleichzeitig machen sich die Leute anhand der Texte trotzdem ihr eigenes Bild von der Stadt, sehen das, was sie sich vorstellen wollen. Wenn die Zitty so etwas schreibt, dann schreiben die das, weil das vielleicht das ist, was sie sich darunter vorstellen. Man könnte auch behaupten, Bushido transportiert in seinen Texten das wahre Berliner Lebensgefühl. Aber das gefällt eben der Zitty nicht. Wir haben uns auch nicht vorgenommen, Berlin zu repräsentieren. Das ist nicht unser Ziel.

BLANK: Seid ihr Lokalpatrioten?
Maxim: Eigentlich nicht. Jedenfalls nicht so, wie man sich das vielleicht vorstellen möchte.
DJ Craft: Es ist schon so, dass ich mich sehr freue, wenn ich in Österreich bei meinen Verwandten sitze, Herr Lehmann schaue und dabei mir bekannte Kreuzberger Ecken sehe.
Maxim: Aber ich würde nicht mit irgendwelchen „Welcome To Kreuzberg“-T-Shirts mit dem Schlagring herumrennen.
TAREK: Kreuzberg ist auf jeden Fall der bekannteste Bezirk Deutschlands.

BLANK: Und Prenzlauer Berg mittlerweile der teuerste Bezirk Berlins.
Maxim: Apropos: ich hatte leider keinen Fotoapparat dabei, aber was ich letztens gesehen habe, fand ich schon sehr witzig. Ich war letztens an einer Eisdiele und da war ein Schild von einem Makler. Jedenfalls gab es dort Villen, die dann durch mehrere Eckdaten klassifiziert wurden: „Prominente Nachbarn“ war eine Rubrik und die krasseste Rubrik war „Nächster sozialer Brennpunkt“ mit den Kilometerangaben, damit die ganzen Bonzen schauen können, ob ihnen das auch alles weit genug entfernt ist.

BLANK: Apropos Brennpunkt – es ist interessant zu sehen, wie Leute wie Frauenarzt von der Presse dargestellt werden. Über den etwas zu lesen, bis man ihn live sieht, ist ähnlich wie über die Bösen Onkelz zu lesen. Wie seht ihr das?
Tarek: Es ist schon sehr dreist, wie sich die Leute manche Berichte zusammenschneiden. Wir wurden auch mal von Focus-TV interviewt und haben, da wir ja wussten, wie diese Reportagen meist ausfallen, richtig brutale Antworten gegeben, zwei Tage später haben sich die Leute gemeldet und gesagt, dass man das nicht ausstrahlen könne. Sieg!
Maxim: Wir haben das auch so kurz gehalten, dass man garantiert nichts harmloses herausschneiden kann, um es doch noch zu verwenden. Das war echt anstrengend.
Tarek: Wir haben den Bericht im Nachhinein auch noch gesehen und es war genauso wie erwartet. Man hat die Sache so wie meistens in den Dreck gezogen.

BLANK: Nochmal zurück zu Frauenarzt – Gibt es da nicht eine gewisse Problematik, weil er tatsächlich größtenteils Menschen anspricht, die das, was er proklamiert, also Feiern, arbeitslos und glücklich damit sein, völlig unverdaut schlucken?
Maxim: Die Leute müssen ja auch irgendwelche Musik hören. Und es gibt auch genug Deppen, die unsere Musik hören, was ich völlig in Ordnung finde.

BLANK: Meint ihr nicht, dass ihr gerade dadurch, wie ihr eure Aussagen verpackt, solche Hörer herausfiltert?
Maxim: Das mag schon so sein, dadurch trennen wir die Spreu vom Weizen. Trotzdem denke ich, dass das nicht die Pflicht eines Musikers ist.
Tarek: Eigentlich ist das doch aber auch egal, wenn die Leute ihren Spaß haben und das abfeiern wollen, sei ihnen das doch gegönnt. Frauenarzt sagt ja auch ganz klar, dass er Partymusik macht.

BLANK: Es ist ja aber schon so, dass ihr da einen ganz anderen Ansatz verfolgt. Man könnte das eben in eine ähnliche Gleichung setzen wie Frauenarzt und Deichkind. Ihr wärt dann eher Deichkind – Party mit einem gewissen künstlerischen Anspruch.
KIZ: Aaaahhh...! Damit möchten wir nicht in Verbindung gebracht werden!
Tarek: Das einzige, was Deichkind vielleicht mit uns verbindet, ist der Anspruch, etwas Eigenes zu machen.
Maxim: Deichkind haben einen sehr eigenen Sound, eine Live-Show, die gut ist. Das mag uns verbinden. Aber ansonsten haben wir nicht viel mit Deichkind gemeinsam.
Tarek: Kein bisschen...mit denen. Vor allem textlich nicht, ich bitte euch! Es ist bei uns auch nicht so, dass wir sagen, wir wollen Kunst machen. Das klingt irgendwie hochtrabend.
Nico: Ich würde den Kunstanspruch, was das optische von Deichkind angeht, nicht mit unserem textlichen Anspruch gleichsetzen. Es ist so, dass, wenn wir ein politisches Statement in unseren Texten haben, wir einfach eine politische Aussage machen wollen. Da würde ich eher sagen, dass wir den Kunstanspruch durch unser Auftreten oder die Bühnenshow transportieren. Das arbeitet eher auf Kunst hin.
DJ Craft: Wir wollen uns hiermit einfach allgemein von Deichkind distanzieren.

(Elmar Bracht)

MUSIKAUGUST 2009

Die Zukunft ist nicht retro

Zur neuen Platte von Portugal. The Man und dem Indierock im Allgemeinen.

„Save Me – I Can´t Be Saved“ tönt es die ersten Sekunden. Wie treffend. Hoffnung und Resignation gehen nun mal Hand in Hand. Prinzipiell, auch im fast komplett homogenisierten Indierock-Genre. Nach einem verspielten Debut, einem progrockigen Zweitwerk, der Beatles-meets-LedZep-Nummer des letzten Albums, ist die Band um Fistelstimme, Songwriter und Gitarrist John Baldwin Gourley nun endgültig im Adult-Orientated-Rock (AOR) angekommen: Manfred Mann, Tom Petty, Billy Joel, Pete Seeger, Chicago und Springsteen. Also so ziemlich alles, was in den Achtzigern uncool war, heute auch noch ist, aber jeden selbsternannten Musikologen dazu veranlasst, mit dem Finger draufzuzeigen und irgendwas von „solidem Songwriting“ zu faseln. Von „zeitlosen Grooves“ und „klassischen Refrains“. Traurig, aber wahr. „The Satanic Satanist“ (hahaha – wie lustig...) bietet sehr viel stockkonservativen Daddelpoprocksound, der weder kickt noch irgendwelche Reibungsflächen oder Überraschungsmomente besitzt. Selbst ein toller Song wie „Lovers In Love“ wirkt in dieser staubigen Ansammlung von Zitaten aus dem musikgeschichtlichen Museum irgendwie deplatziert und seine Wirkung verpufft. Stattdessen gibt es häufig sterbenslangweilige Drumloops im Midtempo zu standardisierten Strophe-Chorus-Strophe-Bridge Homunculi. Wow. Was für eine Leistung. Was für eine Entwicklung. Und ich möchte ausdrücklich darauf hinweisen, dass es sich bei PTM um totale Kritikerlieblinge handelt. Natürlich ist das Album geschmackvoll produziert, besitzt neben dem bereits erwähnten „Lovers In Love“ auch seine hörenswerten, hellen Momente, in denen so etwas wie Spielfreude oder Enthusiasmus aufblitzt (beispielsweise beim an die Pixies erinnernden „Do You“), jedoch ist der Gesamteindruck irgendwie hohl und ausgebremst. Nur damit wir uns richtig verstehen: „Work All Day“, „The Home“, „The Woods“ oder „Everyone Is Golden“ könnten im Radio auch zwischen Kid Rock, Sade und Three Doors Down laufen. Und das ist jetzt bestimmt nicht als Kompliment zu verstehen. Überhaupt: Was soll die beknackte „Soldier“- Metaphorik in den Songs? Post-Irak Zielgruppenakquise?

Es stellt sich mir langsam die Frage, wie es um die Rezeption der Musik, speziell der des Indierock-Genres steht, wenn die Gesellschaft inzwischen in einer allumfassenden, lichtumkränzten, sich selbst abfeiernden Durchschnittlichkeit angekommen ist, in welcher im Fünf-Minuten-Takt auch die einfältigsten Gurken, die des Zitierens halbwegs mächtig sind, als neue Heilsbringer verehrt werden. Und das ist nicht nur in England so - Stichwort: NME. Nein. Es ist eine Pandemie. Ein unaufhaltsamer Virus. Wie Razorlight. Als ob man als Musikhörer auch den beschissensten Bands dankbar dafür sein müsste, sich – bevor sie ins Studio gehen – mit der Musikgeschichte der letzten Jahre beschäftigt zu haben. Nach dem Motto: „Wir haben viel CAN/Hendrix/Pink Floyd/Beatles/Marvin Gaye/Miles Davis/Phil Collins gehört. Coole Band/Künstler. Das hat uns sehr beeinflusst.“ Geht´s noch? Wenn ich CAN/Hendrix/Pink Floyd/Beatles/Marvin Gaye/Miles Davis/Phil Collins für mich hören und entdecken will, dann mache ich das aus erster Hand. Dafür braucht es dann aber keine stumpfgemorphte Ansammlung von Fanzitaten von einer Band von imagefixierten Copycats, Langweilern, Sexisten, Schülern, Nerds, Metrosexuellen oder Rednecks. Ist das nicht einleuchtend? Was bleibt übrig, wenn der „Hot Shit“ nicht „Hot“ ist? Richtig. Übrig bleibt nur noch „Shit“.

Aber zurück zu PTM: Auch wenn die Band als Hippie-Rampensäue live beim neuen Material wieder einiges wettmachen dürften, bleibt bei „The Satanic Satanist“ ein seltsam fader Nachgeschmack. Und selbst der ist total durchschnittlich. Wie eben dieses gesamte, vierte und bestimmt auch bald erfolgreichste Album dieser Band aus Alaska (inzwischen Oregon).

Es gibt ein Recht auf Schräges, Fantasievolles, Energisches, Futuristisches, Ungewöhnliches, Wahnsinniges und Durchgeknalltes. Eben Sachen, die es mitunter manchmal wert wären, völlig abgefeiert zu werden. Wieso?
Weil die Zukunft verdammt nochmal eben nicht retro ist. Und damit meine ich jetzt nicht nur die Zukunft der Musik.

PS: Wer auf hübsche, farbenfrohe, ausladende und völlig unpraktische CD Verpackungen steht, dürfte bei „The Satanic Satanist“ voll auf seine Kosten kommen. Zumindest in dieser Hinsicht hat sich die Band nicht lumpen lassen. Das spricht – in Anbetracht des durchwachsenen Inhalts – durchaus für sich. Und – Nein! – ich werde mich bestimmt davor hüten, zu dieser Sachlage Baudrillard zu zitieren. Reinhören. Selber machen.

(Daniel Vujanic)

MUSIKJULI 2009

KEIN SCHRITT ZURÜCK

Silvester. Das klingt verheißungsvoll. Nach Feuerwerk und Zukunftsträumen. Auf Pauken und Raketen hat Silvester-Frontfrau und Mastermind Naima Husseini trotzdem keine Lust. Ihr im Alleingang komponiertes Album „Ein Schritt vor“ erscheint diesen Sommer und wartet mit klaren Aussagen und minimalistischem Sound auf. Dabei zieht sich das Motiv des Neustarts wie ein roter Faden durchs Debut.

Eine in regelmäßigen Abständen laut und herzlich lachende Frau sitzt entspannt vor dem Spiegel. Nebenbei überwacht sie die Maskenbildnerin. Bloß nicht zu viel! Sie möchte natürlich aussehen, eigentlich so wie immer, das ist ihr wichtig. Naima Husseini hat die gesamte Crew innerhalb kürzester Zeit um den Finger gewickelt, so dass zehn Minuten nach ihrem Eintreffen bereits eine entspannte, fast familiäre Atmosphäre in der Maske herrscht. Bei Kaffee und selbstgedrehten Zigaretten werden Anekdoten wie Ping-Pong-Bälle durch den Raum geworfen. Nachdem die minimalen und eigentlichen fast überflüssigen Verschönerungsarbeiten an Gesicht und Haaren abgeschlossen sind, wird es etwas ernster und Naima beginnt zu erzählen – von sich im Allgemeinen und dem Weg zu dem, was sie heute ist und tut.

Mit ihrem ersten Album hat sie sich einen lang gehegten Wunsch erfüllt. Viel hat sie dafür gearbeitet, und so eindeutig und vor allem eingängig wie das, was man auf „Ein Schritt vor“ zu hören bekommt, sind die Ergebnisse ihrer ersten Versuche, Musik zu machen, nämlich nicht: Naima, durch ihr Kunststudium in einem sehr experimentellen Kontext verhaftet, und mit einem Vierspurgerät und dadaistischen Gedichten bewaffnet, glaubt, ihre Form des Ausdrucks, ihren Sound, gefunden zu haben, bereit für die erste Platte zu sein. Sie wendet sich an einen Produzenten, kann ihn jedoch mit ihren Soundcollagen und Samples nicht überzeugen. Die Frau, die bei jedem „nicht“, das sie singt, sympathischerweise das „t“ verschluckt, wird regelrecht „auseinandergenommen“ und muss feststellen, dass ihr Gegenüber mit seiner Kritik ins Schwarze getroffen hat. Manch einen hätte dies vielleicht entmutigt, zweifeln lassen. Doch für Naima Husseini fiel in diesem Moment der Startschuss. „Es war eine schmerzhafte Erkenntnis, dass ich so viel Energie und so viele Gefühle in etwas gesteckt habe, das nicht konsequent, nicht wirklich zu Ende gedacht ist. Ich habe mich davor gedrückt, das zu sagen, was ich wirklich sagen wollte. Einen Text so zu schreiben, dass genau das herauskommt, was man ausdrücken möchte, ohne dass es platt wirkt, ist einer der härtesten Prozesse.“, erklärt die Sängerin, während sie sich eine von vielen Zigaretten dreht.

Im letzten Jahr geht Naima zum Schreiben nach Berlin, kapselt sich in ihrer Wohnung von der Außenwelt ab und schreibt und schmeißt um, schreibt und schmeißt um – bis letztendlich das Wesentliche übrig bleibt. Keine Fragezeichen im Kopf sollen Verwirrung stiften und von der Message ablenken. Nachdem das Eremiten-Experiment in Berlin abgeschlossen ist, hat Naima dieses Ziel erreicht. Sie trifft anscheinend den richtigen Ton und findet ihre Sprache – das Demo von „Ein Schritt vor“ schlägt bei den Plattenfirmen ein wie eine Rakete. „Nachdem wir den Song an alle möglichen Labels verschickt hatten, kam eine quälende Weile lang erstmal nichts. Bis wir dann von alle Seiten Reaktionen bekamen – das war wie in einem Märchen, ein regelrechter Flash.“

Allerdings auch kein Wunder, wie sie betont. Denn die 28-jährige hat sich ihr Leben lang mit ihren musikalischen Fähigkeiten auseinandergesetzt, sich ausprobiert, improvisiert. Schon mit vier Jahren erklimmt sie das Klavier der Eltern, um zu klimpern und in einem Alter, in dem bei den meisten Mädels die Barbie noch ganz hoch im Kurs steht, weiß die kleine Hamburger Madame bereits, dass sie sich ernsthaft mit Musik befassen möchte. Auf ihrem Heiligtum, dem Casio-Keyboard („Mann, da war ich tierisch stolz drauf!“) entwickelt sie die ersten eigenen Melodien und stellt fest, dass ein Leben ohne all das unvorstellbar ist: „Ich brauchte dieses Instrument schon damals als Ausgleich zum Leben da draußen.“

Es folgen Bandprojekte, die sie nie wirklich zufrieden stellen und irgendwann, endlich, ihr „erstes ernsthaftes Projekt“ – Silvester. „Nachdem ich mich jahrelang ausgetestet und weiterentwickelt habe, wage ich zu behaupten, dass ich jetzt auf einem Stand bin, den andere Bands erst beim dritten Album erreichen. Ich habe viel Material zurückgehalten, hätte natürlich auch schon im kleinen Rahmen auf einem Indie-Label veröffentlichen können. Aber so konnte das alles noch ausreifen und ich habe mich musikalisch gefunden. Ich habe diesen Entwicklungsprozess, den andere Bands machen, nachdem sie bereits ein Album raus haben, schon durchgemacht, bevor ich jemals etwas veröffentlicht habe.“ So eine gesunde Portion Selbstbewusstsein kann in der bittersüßen Popwelt nur von Vorteil sein. Und eine Frontfrau wie Naima Husseini, die zwar stark, aber nicht so exaltiert wie ihre Kollegin Mieze oder superalternativ wie Judith Holofernes daherkommt, tut zur Abwechslung ganz gut. Keine Imagespielchen, das könnte die 28-jährige auch gar nicht.

Denn eines weiß die Frau aus Hamburg ganz genau. Und zwar, was sie nicht will: „Je konsequenter man sich gewisser Dinge entledigt, desto besser kommt man voran.“ Dieses Credo könnte ergänzend unter dem Albumtitel stehen, denn Ablösungsprozess und Abschied, Selbstständigkeit und Unabhängigkeit, das sind die Themen, die auf dem roten Faden des Albums aufgezogen sind wie bunte Perlen. Ob es „Ein Schritt vor“ selbst ist oder die zweite Singleauskopplung „Wiedersehen“ – es geht darum, sich zu emanzipieren und sich nicht von Menschen und deren Meinungen aufhalten zu lassen.

Vielleicht hat die Band die Sache mit dem Sich-Entledigen aber auch zu ernst genommen und sich im Studio von zuviel angeblichem Ballast befreit, denn ab und zu will man ein klein wenig mehr, als man bei Silvesters Minimal-Pop bekommt. Sympathischerweise bricht die Stimme von Naima aber immer wieder ein kleines bisschen aus, und beugt der Gefahr völlig ecken- und kantenloser Musikstücke vor. Vielleicht sollte Frau Husseini beim nächsten Album doch wieder etwas mutiger werden und ein paar Experimente zulassen. Eigentlich ist sie nämlich ganz und gar nicht risikoscheu, wie sie erzählt, während sie in ihr Abendoutfit, einen schwarzen Seidenoverall aus dem Secondhand-Laden, klettert. Gleich geht es los.

Dahin, wo Naima sich wohlfühlt und hingehört. Auf die Bühne.

(Teresa Mohr)

MUSIKJULI 2009

SCHMERZ ist LEBEN

Am Abgrund zu stehen, muss nicht unbedingt bedeuten, dass man sich fallen lässt. Manchmal reicht es auch, in die Tiefe zu schauen, um festzustellen, dass der Blick nach vorn ein viel schöneres Bild bietet. So in etwa ging es auch Robin Tom Rink – er hat sich ganz genau gemerkt, wie der Abgrund aussah. Auf seinem Album „Le Dilletante“ zeichnet er ihn nach.

Wenn es nur eine Gänsehaut wäre, die den Körper überfällt, wenn Rink mit Worten Bilder malt. Doch so unkompliziert ist das leider nicht, und ein großer, bitterer Klumpen quillt in der Magengegend auf, während aus den Boxen pechschwarze Zeilen wie „Sugar we‘re going down/Sinking softly down to the ground/Sending bubbles up to the sky/And we laugh/While the bubbles wave goodbye“ tropfen.

Seine wunderschöne Stimme, die sich so unschuldig und knabenhaft anhört, scheint in manchen Moment unter der großen Last der Worte einzubrechen; kriecht durch den Kopf, schnürt die Kehle ab, lässt einen nach Luft ringen, fügt Schmerzen zu.

Dabei wirkt Robin Tom Rink – zumindest heute – gar nicht wie ein Trauerkloß. Vielmehr sieht der 27jährige richtig adrett, fast schon artig aus, und nicht wie jemand, der eine steile Drogenkarriere hinter sich gebracht hat. Hielte man sich an Äußerlichkeiten auf, könnte man also meinen, dass eben diese Vergangenheit schon fast vergessen ist.

Doch heilt die Zeit nicht alle Wunden, und so gesteht Rink, dass er sich zwar immer wieder freut, in der Stadt zu sein, nach spätestens drei Tagen aber die Flucht antreten muss. Das Leben in Berlin brachte viele Verführungen mit sich. Verführungen, die ihn von seinem eigentlichen Vorhaben, nämlich Musik zu machen, mehr als ablenkten. Die ihn krank machten und sich irgendwann in Form eines Weihnachtscocktails aus Koffeintabletten, Alkohol, Ecstasy und Kokain potenzierten. Die daraus resultierende Überdosis verschaffte Robin Tom Rink eine mehr als unsanfte Landung auf dem Boden der Tatsachen: „Ich war 1 ½ Tage wach und habe mir die Frage gestellt, ob ich das Leben, was ich eigentlich immer wahnsinnig geliebt habe, wegschmeiße oder versuche, neu anzufangen.“ Er entschließt sich für den Neuanfang. Rink verlässt daraufhin das babylonische Berlin und geht zurück in seine Heimatstadt Münster, wo er als Gärtner und Briefzusteller arbeitet und merkt, dass ihm das ungefilterte Leben den schönsten Rausch beschert.

Die Kontakte nach Berlin bricht er aus Selbstschutz ab, will der Situation, erneut in Versuchung zu geraten, entgehen. Was ihm gelingt. Bis heute hat Robin Tom Rink seine Nase nicht mehr in die Angelegenheiten gesteckt, die ihn damals zuerst den Verstand kosteten und letztendlich fast des Lebens beraubten. Nach zwei Jahren in Münster zieht es ihn von der Heimat in die unbekannte Ferne: Rink geht nach Paris, wo er endlich zur Ruhe kommen und ganz bei sich sein will. Er knüpft schnell Kontakt zu anderen Künstlern, tauscht sich aus, schreibt und komponiert. Nebenbei wird das Päckchen aus Berlin, welches ihm immer noch anhängt, langsam leichter und handlicher – Musik als Therapie. Rink, der besonders beeindruckt vom „musealen Charme Paris’“ ist, fühlt sich wohl, ist angekommen. Und in der Lobby der kleinen Pension, in der er ein Zimmer bezogen hat, steht ein Klavier an dem er Abend für Abend sitzt und spielt. Ein Drittel der Songs auf „Le Dilletante“ sind Souvenirs, die Robin Tom Rink aus Paris mitgebracht hat.

„Le Dilletante“ – ein Albumtitel, der eine ziemlich negative Selbstwahrnehmung vermuten lässt – „Ich bin Autodidakt und kann eigentlich nur relativ bescheiden Gitarre und Klavier spielen. Irgendwie reicht es ja auch immer aus, aber ich stoße schon an meine Grenzen, das merke ich. Zum Beispiel kann ich keine einzige Note lesen. Es wurde mir auch schon öfter nahegelegt, meine Fähigkeiten ein wenig auszubauen, aber ich weiß einfach nicht, ob sich dann der Prozess des Songschreibens ändert. Und der soll so bleiben, wie er ist.“

Richtig. Für vier Alben steht Robin Tom Rink unter Vertrag. Bei einem so großartigen Debut bleibt nur Eines zu sagen: Bitte mehr davon.

(Teresa Mohr)

Tourdaten:

11.08. Düsseldorf, Damen und Herren
19.08. Darmstadt, Centralstation Darmstadt W/ HEATHER NOVA
22.08. Rottweil, Ferienzauber Festival
23.08. Kaiserslautern, Kammgarn  

MUSIKJUNI 2009

Die Jukebox in dir

Ergänzend zum mittlerweile obligatorischen Glitzer-MakeUp für Panoramabar-Besucher beiderlei Geschlechts sollte am nächsten Sonntag auch ein Partyhütchen auf den Häuptern der Feierwütigen thronen. Denn anlässlich seines 40. Geburtstags und des Erscheinens seiner neuen Platte „The Inner Jukebox“ lädt DJ T in den Garten des „besten Clubs der Welt“ zur elektromusikalischen Tortenschlacht ein.

Als Gratulanten haben sich Abe Duque feat. Blake Baxter zur Liveperformance, sowie Clé & Terrible und Thomas Schumacher angekündigt, DJ T selbst wird ebenfalls Hand an die Plattenteller legen. Das Gartentor öffnet sich um zwölf Uhr – und zwar schon Mittags, statt erst um Mitternacht. Also, Partyhütchen aufsetzen und die Konfettikanone laden!

MUSIKJULI 2009

Plattenkritik: Whitetree „Cloudland“

Das alte Spiel mit den Gegensätzen ist das alte Spiel mit den Klischees. Was passiert, wenn kühle E-Musik auf sonnige U-Musik trifft? Wahrscheinlich hängt die Qualität des Ergebnisses allein von den Protagonisten ab. Dabei sorgt bei dem Trioprojekt Whitetree lustigerweise gerade der italienische Komponist – und Schüler von Luciano Berio – Ludovico Einaudi für die Popelemente, während sich die umtriebigen und elektronikpopaffinen Lippok-Brüder Robert und Ronald (of To Rococo Rot fame) um analoge und digitale Abstraktion bemühen. So weit so gut.

Wie funktioniert die Musik?

Zunächst einmal fällt die Zurückgenommenheit dieser elektro-akustisch glitzernden Musik auf. Die Stücke sind häufig linear und additiv um das raumgreifende und stets tonangebende Piano herum arrangiert, welches romantisch-impressionistische Figuren ins Stereobild streut, die dann wiederum auf sparsame Rhythmen (Schlagzeug, Glockenspiel, prozessierte Becken, Rechnerbeats) und elektronische Texturen/Loops treffen. Das Ergebnis erinnert zuweilen an eine Art cineastisch-melancholische und ziemlich „erwachsen“ tönende Fahrstuhlmusik. Selbst wenn es einmal, und das kommt nicht allzu häufig vor, nach Eruption und emotionaler Verdichtung tönt („Tangerine“), wird elegant die dramaturgische Handbremse angezogen. Was zum einen etwas schade ist, aber eben auch einen Großteil des Charmes der Musik von „Cloudland“ ausmacht. Der köchelnde Ambient-Pop schreit nicht nach Aufmerksamkeit, ist aber auch zu gut und zu detailiert gemacht, um als Loungetapete schnell seine Halbwertszeit zu überschreiten. Was bleibt, ist ein in sich ruhendes, dreiviertelstündiges Instrumentalwerk voller Soundtrackmelancholia à la Craig Armstrong, gepaart mit leisen Glitchmutationen und symmetrischer Minimal-Music-Zeitlichkeit. Und – hey! – es ist in seinem eklektischen, connaiseurhaften Grenzgängertum sogar richtig gut. Wer Probleme hatte, eine Stimmungsmusik zwischen den Arbeiten von Christian Fennesz, den Soundtracks von Philip Glass und Erik Satie´s Pianomeditationen zu finden, wird hier definitiv sein Audioglück finden.

(Daniel Vujanic)

MUSIKJULI 2009

AM ANDEREN ENDE DES FLURS

Es stinkt zum Himmel, dass dem dreizehnjährigen Nachwuchsrevoluzzer Millionenseller wie Ärzte oder Tote Hosen als Speerspitze der einschlägigen Musik vorgesetzt werden. „Punk ist nicht tot – Aber er riecht so“ lautet denn auch eine nicht lustige und trotzdem überstrapazierte Weisheit zum Zustand der Jugendkultur in Deutschland. Dabei gibt das Genre „Punkrock“ alles her, was es braucht, um beim Gammelkreis am Bahnhof geschmackssicher punkten zu können.

Wer erinnert sich an die letzte, im März erschienene Ausgabe des BLANK? Da ging es um die Band Rise Against und vor allen Dingen um die gesellschaftliche und politische Relevanz des Punkrock. Es ging seinerzeit um Themen wie Tierrechte, Innen- und Außenpolitik der USA und vor allem um die Legitimität von Kriegseinsätzen. Und was damals vom Autor kurzerhand und etwas vorschnell zur reinen Lehre des Punk ausgerufen wurde, ist doch nichts weiter als eine der vielen Spielarten des nach wie vor lebendigen Genres „Punkrock“. Und weil BLANK den Scheinwerfer gerne kreisen lässt, ist im Mai das andere Ende des breiten Spektrums dran: Blinker Links, Punkrock aus dem Rheinland. Es muss irgendwann Anfang des Jahres gewesen sein, da erklang aus den Lautsprechern in der Grafikabteilung „Pimmel raus, Mofa fahren“, ein völlig beknackter Song über pubertären Moped-Spaß im mütterlichen Garten. Reime aus der Grundschule, Akkordfolgen für den Gitarrennachwuchs und ein Text, der mit „abstrus“ wohlwollend umschrieben ist. Zusammengefasst: Ein Hit!

Und während der aufrichtige politische Korrektling pflichtschuldig Refrains für den Weltfrieden skandiert, schreiben Blinker Links für ihr Publikum Hymnen der Marke „Blinker Links Ficken Tod“ und drehen dazu auch noch ein herrlich asynchrones Video mit Nichthandlung und gelangweilt dreinblickenden Nebendarstellern. Und damit sind Blinker Links das, was Die Ärzte schon lange nicht mehr sind, sein wollen oder können: Selbstironisch, anarchisch witzig und erfreulich erfolglos. Erfolglos im besten Sinne natürlich. Unkorrumpiert, völlig unverdächtig. Die Band-Webseite ist bestenfalls als „rudimentär“ zu bezeichnen, Gigs finden selten, aber dafür nicht selten in beinahe konspirativem Rahmen statt und Promo passiert in Untergrundpostillen wie dem „Trinker“. In einem Review zur bislang letzten Blinker Links-Scheibe „Der liebe Gott sieht alles“ heißt es reichlich treffend: „Wer also nicht der bierspießige Anti-Punk-Skinhead ist, sollte hier mal eine Prise von nehmen.“ Und obwohl „Anti-Punk-Skinhead“ kein ganz klares Profil der Zielgruppenvertreter zeichnet, wird aus diesem Zitat doch die grundsätzliche Atmosphäre deutlich, die die vier Musiker um Sänger Kollege umgibt: Dadaismus ist Trumpf, Message Ballast und Spaß der König. Hervorgegangen ist die Band um Sänger Kollege aus den in der heimischen Punkszene reichlich wohl gelittenen Chefdenkern, die in den letzten Jahren nicht nur auf dem Force Attack – dem Mekka der Sicherheitsnadeln- und Lederjacken-Szene – reüssierten, sondern sich auch einen Ruf als ironiesichere Wörterschmiede erarbeitet haben.

Mit Texten der Güteklasse „Pimmel fahrn mit Mofa raus – sieht super sexy aus“ wird es BL-Mastermind Kollege, der im vergangenen Jahr aus dem Rheinland nach Berlin übersiedelte, nicht ins Vorprogramm von Bad Religion schaffen. Aber das kann man auch unmöglich wollen. Mögen wir uns nie vorwerfen lassen müssen, Blinker Links in den Mainstream gezerrt zu haben. Aber beruhigen wir uns selber: Das wird nicht passieren.

(Till Erdenberger)

MUSIKMAI 2009

DAS MITTELERDE FEELING

Wenn man Patrick Watson hört, sieht man Elfen tanzen und hört Bäche rauschen.

BLANK: Es kommt mir vor, als würdest du dich gerne hinwegträumen. Liege ich da richtig?
Patrick Watson: Ja, ich mag es, an andere Orte gebracht zu werden, wenn ich Musik höre. Oder wenn man durch eine Gegend läuft, die man schon hundertmal durchquert hat – sobald man einen Soundtrack dazu hört, sieht alles anders aus. Man sieht Dinge, die man vorher nie bemerkt hat. Das mag ich. Musik kann dich dazu bringen, auf ganz andere Dinge zu fokussieren. Derselbe Ort kann völlig anders aussehen, wenn du einen anderen Soundtrack hörst. Fünf verschiedene Arten von Musik bedeuten auch, dass du fünf unterschiedliche Orte erkunden kannst, dank des jeweiligen „Soundtracks“. Ich bin ja auch viel auf Tour. Und ab und zu bin ich dann ziemlich fertig. Aber ich will mich nicht so fühlen, also höre ich meinen liebsten Bollywood-Soundtrack aus den 60ern, kein Mainstream-Kitsch. Sobald ich das anmache, fühle ich mich wie in Little India – plötzlich habe ich am Flughafen die Zeit meines Lebens. Weil ich mich dann superwach und sehr lebendig fühle.

BLANK: Wie würdest du die Unterschiede vom ersten Album „Close To Paradise“ zu deiner neuen Platte „Wooden Arms“ beschreiben?
PW: Auf jeden Fall weniger Piano. Wir wollten ein „Science Fiction Folk“-Album machen. Nicht im Sinne von Science Fiction, wie man sich das eigentlich vorstellt, man denkt ja gerne an Roboter, sondern eher fantastisch. Science Fiction, das sind für mich Geschichten mit einem seltsamen Twist.

BLANK: Eure Songs nehmen unheimlich viel Raum ein, es gibt lange, lange Intros, viele Spielereien, insgesamt ist das Album sehr unkonventionell, man muss sich Zeit dafür nehmen. Scheint fast ein Statement gegen eine Zeit zu sein, in der alles wahnsinnig schnell geht.
PW: Ich würde es nicht als Statement gegen irgendetwas sehen. Aber es ist so, dass wir uns tatsächlich nicht an aktuellen Strömungen orientieren. Und es war und wird mir auch immer sehr wichtig sein, zur Ruhe zu kommen, die Natur zu genießen. Fernab vom Informationszeitalter.

BLANK: Twitter hat mir gezwitschert, dass du gerade in Island warst. Ein Land, das mit seiner ungewöhnlichen Landschaft die perfekte Umgebung für deine Musik zu sein scheint.
PW: Ja, wir haben dort aufgenommen. Wenn man in Island ist, fühlt man sich immer wie in einem Märchen, alles ist grün. Und da ich ein großer Naturfreund bin, fasziniert mich dieser Ort sehr. Er ist total seltsam – schön und gleichzeitig unheimlich.

BLANK: Ein bisschen so, wie man sich Mittelerde vorstellt.
PW: Tatsächlich sollte „Herr der Ringe“ auch dort gedreht werden, aber sie konnten sich das wohl nicht leisten. Island ist neben seiner zauberhaften Seite aber auch ein Land, wo man seinen Finger in eine blubbernde Flüssigkeit steckt und ihn nie wieder sieht. Eine sehr brutale Landschaft. Irgendwie kann man fühlen, wie die Erde permanent in Bewegung ist.

BLANK: Wenn wir schon gerade bei Naturphänomenen sind – „Down At The Beach“ hört sich nach einem gehörigen Pilztrip an.
PW: Wir haben den Song im Studio improvisiert. Auf Pilzen waren wir nicht, aber ein bisschen betrunken schon. Pilze – das war das letzte Album. „The Storm“ und „Slip Into Your Skin“ haben wir auf Pilzen aufgenommen. Wir haben uns aber nicht ständig zugeknallt – das ist dann doch ein wenig anstrengend. Ein Pliztrip sollte etwas Besonderes bleiben. Etwas, das man nicht jeden Tag macht, und wenn, dann in Begleitung wichtiger Menschen.

BLANK: Was ist die „Machinery Of The Heavens“?
PW: Den Titel für den Song hatte ich schon vorher. Und den Song habe ich in der Nacht geschrieben, in der mein Baby geboren wurde. Die Fruchtblase meiner Frau platzte, und wir haben im Krankenhaus gewartet – dabei habe ich den Chorus geschrieben. Es machte Sinn, den Song so zu nennen.

(Teresa Mohr)

MUSIKMAI 2009

Über die UnmÖglichkeiten Der Liebe und die MÖglichkeiten des Zufalls

Was passiert, wenn Indie-Herzschmerzästhetik auf Episodenfilmstruktur trifft? Die Kollaboration der Band Naked Lunch und des Regisseurs Thomas Woschnitz versucht sich an einem elliptischen Gleiten durchs Ungewisse. Die Bilder propagieren hierbei eine Art Kameratourismus der stoisch köchelnden Stimmungen und sich intuitiv auffaltenden Ahnungen, während der mixtapeartige und häufig schrammelige Sound für die rezeptorische Bodenhaftung sorgt.

Alles fängt mit einem schlagenden Herzen an und hört mit einem in der Zeit eingeschlossenen Bernsteinmoment auf. Nicht nur in der Intro und Outro bildenden Episode zwischen Rashid und Julie im lichtumkränzten Marseille. Auch das männliche Paar in Luxembourg erlebt diesen speziellen, alles übermannenden Bernsteinmoment in einem menschenleeren Hallenbad, wenn auch unter Wasser und wahrscheinlich „nur“ als re-animierte Erinnerung eines Liebhabers. Man kann zwar aus dem stets viel zu großen Spiel der Liebe aussteigen, aber das traurige Echo auf vielen, alltäglichen Bedeutungsebenen bleibt und das emotionale Verebben besitzt nun mal seine eigene, unkalkulierbare Zeitlichkeit. Das zeigt „Universalove“ mit jeder verstreichenden Minute.

Die Stärken des Films, also die lose durch melancholische Musikstücke und verlorene Stimmungen miteinander verwobenen Episoden, sind aber auch gleichzeitig sein größtes Problem. Die strukturelle, erzählerische Diskontinuität erlaubt dem Zuschauer zwar, seine eigene Assoziationsmaschine anzuwerfen, sorgt aber auch für eine gewisse Beliebigkeit beim Spurenlesen. Somit leidet die Dramaturgie des Films manches Mal eben auch an der einbalsamierenden Freiheit der Lesbarkeit ihrer Bilder, ganz nach dem Motto: Es soll für jeden was dabei sein. Da kann dann die Kraft der Symbole zum Ausgleich mal noch so eindeutig sein.

Was aber an „Universalove“ zuallererst auffällt, ist diese verschobene emotionale Natur: Eine fatalistische Einbahnstraße, in welcher sich alle Protagonisten der verschiedenen Episoden zu befinden scheinen. Das sorgt für eine stilbildende Statik; eine scheinbare Ausweglosigkeit bis hin zur Selbstaufgabe, die höchstens von der Unvorhersehbarkeit des Zufalls unterbrochen und auch umgelenkt werden kann und werden will. Ironischerweise sind es dabei gerade die alltagserleichternden Kommunikationsmedien und -instrumente (Handy, Computer, TV), die in ihrem (dys-)funktionalen Determinismus die Umschwünge und Wendungen herbeizitieren. Der kaputte Fernseher, der in den Slums von Rio de Janeiro eben NICHT für einen Telenovela bedingten, kurzzeitigen Eskapismus sorgt, der abgestürzte Rechner, der als eine Art Datenfriedhof mit all seinen verborgenen Dateien das Liebesleben eines Computerfachmanns in Tokio völlig aus der Bahn zu werfen droht, oder die zu spät abgehörte Mailbox eines Mobiltelefons in Belgrad, die einen Knoten nach 15 Jahren unausgeglichener Beziehung zum Platzen bringt. Die scheinbaren Unfälle sorgen für das Tempo und für die Handlungsschübe. Es ist das Ausbremsen, Vertrösten, das einseitige Hoffen und Warten, was aus den Poren von „Universalove“ sickert und was aber auch einen Großteil des Charmes der fünfundsiebzig Minuten ausmacht. Die Musik von Österreichs wohl einflussreichster Indieband passt somit ebenfalls wie der berühmte „Eimer auf den Arsch“. Naked Lunch hatten sich in ihrer inzwischen fast zwanzigjährigen Karriere ebenfalls dem Aufschieben, Warten und Vertrösten verschrieben, emotional – in ihrer Musik, wie auch veröffentlichungstechnisch – zwischen „The Next Big Thing“-Hype und völlig in der Versenkung verschwundenen Alben, nach denen kein Hahn mehr krähen wollte. Und das, obwohl sie eigentlich stets die besseren, weil weniger prätentiös elektronisch tönenden Notwist sind und immer schon waren. Für das Feuilleton wäre ihr in Indierockbratzigkeit gegossenes, weltumarmendes Lennon/McCartney-tum eh zu anachronistisch. Für „Universalove“ erweiterte das Trio aus Klagenfurt ihr unterschwellig immer schon etwas der verdrogten Flaming Lips-Glückseligkeit zusprechendes Repertoire, noch um tongewordene Tom-Waits-Hobo-Kirmes, universelle Dylanismen und ein paar mutierte Casiobeats, die in ihrer beliebigen Schrulligkeit überall auf der Welt als „I‘m-So-Lonesome-I-Could-Cry“-Loner-Sound identifiziert werden können. Was soll‘s. Jedenfalls lebt und zehrt der Film von der speziellen und durchaus funktionalen Verwebung zwischen Naked Lunch‘s sonischer Indie-Tristesse und Thomas Woschnitz‘ ätherischen Bildern – und das einem Musikvideo gar nicht so unähnlich. Manchmal kommen Dinge, die zueinander passen, eben auch zusammen und sind dann mehr als die Summe ihrer einzelnen Teile. Love is universal. Ziemlich einfach, oder?

Was bleibt also am Ende, außer dem, in sich zusammengezogenen, verdichten wollenden Titel „Universalove“? Vielleicht das wunde Gefühl, wenn es nicht ums „Sich-fallen-lassen-können“ oder um die Heilsamkeit der universellen Liebe geht, sondern um eine prinzipielle Zerrissenheit und die gebetsmühlenartige Suche nach etwas Besserem, einem lebenswerteren Gefühl, untermalt von schaurig-stimmigen Bildern einsamer Fußmärsche, voyeuristischer Inselungen unpersönlicher Imbissbuden/Wettbüros und Menschen entzweiender öffentlicher Räume. Die wenigen besänftigenden, oder eben auch mal die Dramaturgie vorantreibenden Ausnahmen sind schön positioniert und cinematographisch wohl irgendwo zwischen Jarmusch, Wenders und Kusturica anzusiedeln. Es bleibt aber glücklicherweise nicht nur der Eindruck eines mit europäischen Fördergeldern gesegneten Zitatenkinos mit Arte-Anspruch, sondern einfach nur ein ruhiger, statischer Film über die Variablen, Codes und Wechselwirkungen der Liebe. Das ist schon mal ziemlich viel.

(Daniel Vujanic)

MUSIKMAI 2009

DIE UNENDLICHKEIT DER SEELE

Maximilian Hecker macht Kuschelrock. Weil er es muss; weil er es kann. Und ehrlich – da stehen wir drauf.

Ich nehme lieber eine neue Flasche Wasser. Bei der angefangenen hat doch bestimmt schon jemand dran rumgeschnuddelt.“ – man könnte Maximilian Hecker eine gewisse pedantische Schrulligkeit vorwerfen, während er sich mit mir an der Bar der Location fürs Fotoshooting bedient. Wenn das denn wirklich schlimm wäre. Tatsächlich ist der in Heidenheim geborene und als „Berlin Mittes Lieblingsadoptivsohn“ bezeichnete Hecker aber ein sehr angenehmer Zeitgenosse. Ruhig, zurückhaltend. Trotzdem bestimmt.

Und zielstrebig: als er auf Berliner Straßen steht und Coverversionen spielt, um endlich entdeckt zu werden, hat er Glück. Sein erster Fan ist Ex-Lassie-Singer Almut Klotz. Sie gründet mit Jim Avignon die Band „Maxi (unter Menschen)“, in der Hecker Schlagzeug spielen soll. Bald aber reifen die ersten Songs und das Bedürfnis nach musikalischer Selbständigkeit heran – Maximilian Hecker unterschreibt bei Kitty Yo seinen ersten Plattenvertrag und produziert in den darauffolgenden Jahren Alben am laufenden Band. Alben, die von grenzenloser Romantik, manch böse Zunge möchte das als Kitsch bezeichnen, geprägt sind und in dem Land, in dem die Romantik das Licht der Welt erblickte, ein großes Medieninteresse hervorrufen. Denn obwohl man sich im ersten Augenblick noch über Maximilian Heckers große Gefühle lustig machen möchte – immun ist man gegen seine hochkultivierten Herzschmerzballaden nicht, ertappt sich, wie man auf dramatischen Melodiebögen und tieftraurigen, zu peinlicher Ehrlichkeit verdichteten Textzeilen wie „Where are the days when I was young?/Now I’ve got to face reality/I’ve got to face the pain“ davon treibt. Heckers große Stärke ist gleichzeitig seine größte Schwäche: Das Sich-Bekennen zu „romantischen, schwelgerischen Gefühlen“, wie er das nennt. Die Presse, die ist deshalb am Ende eben doch immer auf seiner Seite. Und das Goethe-Institut, das schickt ihn 2003 zur Verbreitung seiner Verse mit Barbara Morgenstern auf Welttournee. Schwelgen ist ein für ihn unbedingt notwendiger Ausgleich, erklärt Hecker und nimmt einen Schluck Wasser: „Ich selbst bin sehr streng mit mir, sehr gefühlsreduziert im Alltag. Durch meine Musik finde ich einen Weg, Gefühle zuzulassen und auszuleben.“

Anlässlich der Veröffentlichung seines sechsten Albums „One Day“ sitzen wir hier an weiß lasierten Holztischen auf schwedischen Kissen, in einer zum In-Restaurant aufgestylten ehemaligen Fleischerei. Hecker ist erkältet und zieht gerade um – das verwirrt ihn sichtlich, er kann sich schwer konzentrieren: „Überall in der Wohnung diese Unordnung... wenn nur schon geputzt wäre. Alles ist staubig, das macht mich kirre. Ich bin schon ziemlich ordentlich.“
Während er in Deutschland „indie“ ist, spielt der schmalbrüstige Hecker, der in Jogginghose und Schlabberpulli vor mir sitzt, in Asien einer ganz anderen Liga. Dort – genauer in Taiwan, Korea, China und Hong Kong – ist er ein Popstar: „Die Band „Air“ hat mal gesagt: ‚In Japan fühlen wir uns regelmäßig wie die Beatles.’ und ich glaube, das beschreibt das Gefühl, in Asien aufzutreten, ganz gut. Die Menschen sind sehr viel euphorischer. Sie haben ihre Idole und ich bin eben auch so ein Idol für meine Fans. Es herrscht eine gewisse Hysterie und die Leute sind sehr aufgeregt, wenn sie mich dann nach dem Konzert beim Autogramme schreiben sehen.“

Und das, obwohl oder gerade weil Hecker so gar nicht dem Bild entspricht, das asiatische Popstars sonst abgeben: „Männliche asiatische Popsänger singen wie soulartig trainierte Boybandmitglieder. Hauptsächlich. In Asien wird das Beherrschen von Technik und Virtuosität ganz groß geschrieben – so wie wir das hier aus dem Mainstream-Popgeschäft auch kennen. Ich stelle dann dort natürlich eine gewisse Ausnahme dar – auch dadurch, dass ich äußerlich ganz anders erscheine, ein ganz anderes Männerbild verkörpere. Und dadurch, dass ich nicht Musik mache, um mein technisches Können zu beweisen. Vielleicht merken die, dass es tatsächlich darum geht, das da jemand Musik macht, ohne an Technik zu denken, sondern seine Gefühle durch das Singen ausdrückt.“

Dass Hecker so erfolgreich ist, hat viel mit der asiatischen Mentalität zu tun. Die Leistungsgesellschaft fordert persönliche Zurücknahme zugunsten des Kollektivs, ähnlich wie der Künstler selbst schaffen sich die Asiaten mit Hilfe der Hecker‘schen Melodien die Möglichkeit, zu kompensieren: „Wenn man sich die Popmusik in Asien anschaut, sieht man, dass 70 bis 80 Prozent der Lieder romantische Balladen sind. Wir würden das erstmal gemeinhin als Kitsch bezeichnen. Aber das ist vorschnell geurteilt. Denn ich glaube, der Stellenwert von romantischen Gefühlen und Schwelgereien, ist ein ganz anderer als bei uns in Europa. Hier gelte ich als uncool. Dort fragen die sich gar nicht, ob das cool oder uncool ist, sondern sie merken: die Musik handelt von Gefühlen. Und die Musik gibt ihnen die Möglichkeit, zum Beispiel für die Dauer eines Konzertes, ihre Strenge und die Anforderungen der Gesellschaft und ihrer Eltern über Bord zu werfen.“

Trotz aller Anerkennung – der Rummel um seine Person ist Maximilian Hecker unheimlich: „Das ist nicht leicht für mich, weil ich dann immer denke: ‚Ihr kennt mich doch gar nicht.’ – es handelt sich nicht wirklich um mich als Person. Es verwirrt mich und es macht mich unsicher. Mancher würde jetzt denken, ich würde mich in dem Moment, in dem ich bewundert werde, schön und stolz fühlen. Aber genau das Gegenteil ist der Fall: Ich fühle mich meistens hässlich und unliebenswert. Ob man einen Vortrag hält oder was auch immer, durch das Bewusstsein, dass jemand anders einen ansieht, verändert sich auch der Blick, den man auf sich selbst hat. Man versucht dann, sich in den Augen des Anderen zu sehen, achtet mehr auf sein Äußeres, seine Schwächen, will möglichen Erwartungen gerecht werden. Man wird nervöser und pingeliger und neurotischer.“

Lieber ist ihm da noch die Straßenmusik mit ihrem gewissen Zauber, der dadurch entsteht, dass „keiner zuhört“. – „Das ist wunderbar. Es ist so schön, man merkt, dass es ausschließlich um die Musik geht. Selbst wenn mich keiner hören würde, könnte ich immer noch Straßenmusik machen. Das ist so ein halb öffentlicher Raum, anders, als wenn man auf der Bühne steht, und anders, als wenn man ganz für sich allein spielt. Es klingt einfach anders, die Wahrnehmung der eigenen Musik verändert sich.“

Trotzdem, beim anschließenden Fotoshooting macht er ganz und gar nicht den Eindruck, als wäre ihm die ungeteilte Aufmerksamkeit unangenehm, Maximilian Hecker scheint sich wohl zu fühlen in seinem selbstgewählten Outfit aus Jogginghose, Pelzmütze, pelzigem Oberkörper und posiert geduldig, aber nicht ewig. Denn er hat noch eine private Mission zu erfüllen: Parkettreiniger kaufen, um die neue Wohnung endlich zu wischen und seinen Frieden zu finden. Bevor er geht, trinkt er schnell noch sein Glas Wasser aus. Ordnung muss sein.

(Teresa Mohr)

MUSIKAPRIL 2009

Killed By 9V Batteries auf Tour

„Escape Plans Make It Hard To wait For Success/ Neuhass“ heißt die neue Platte der steirischen Formation um Sänger Wolfgang Möstl und seinen Mitstreitern Mario Loder und Stefan Christiandl. Eine klare Ansage. „Wir stehen uns selbst im Weg, auf die meisten Menschen machen wir den Eindruck von Geisteskranken, Heulsusen oder einfach nur Deppen. Das kann auch der Grund sein, warum wir noch immer keine Ferraris fahren!“. Eine großartige Band. Live ein absolutes Muss. Nicht viele Bands laden eine Bühne dermaßen auf und hinterlassen erstarrtes Erstaunen. Diese Band schafft es: brachial und zuckersüß, charmant und dreckig. Ein weiterer Hoffnungsschimmer am Austro-Indie-Himmel.

Tourdaten:

02.04.09 Berlin, Lokal
03.04.09 Rostock, Mau
04.04.09 Leipzig, Ilses Erika
05.04.09 Chemnitz, Weltecho
06.04.09 Dresden, Ost-Pol
18.04.09 Utrecht, db's
19.04.09 Siegen, Veb
21.04.09 Hamburg, Astra Stube
22.04.09 Greifswald, Klex
23.04.09 Bielefeld, F'Dom
24.04.09 Münster, Amp
25.04.09 Schnaitsee, Club Leonard
09.05.09 Oslip, Cselley Muehle

MUSIKMÄRZ 2009

hier, wo du strahlst

Die Berliner Band Klez.e veröffentlicht dieser Tage ihr Masterpiece „Vom Feuer der Gaben“. Somit hat der kalte Winter seine Berechtigung und Bestimmung gefunden, denn warm um's Herz wird einem mit dieser wundervollen Indie-Pathos-Rock-Scheibe mit Sicherheit.

Gut Ding will Weile haben, vielleicht hat es deshalb zwei Jahre gedauert, bis das neue Album der Berliner Band Klez.e um Mastermind Tobias Siebert fertig war. Vielleicht spielt Zeit auch keine wesentliche Rolle, wenn es darum geht, etwas zu erschaffen, was die Chance besitzt, als zeitlos funktionierendes Abbild einer Generation, einer Stadt, einer Szene, einer Stimmung oder zumindest eines Momentes zu überleben. Und Klez.e versuchen diesen Eindruck zu verfestigen und zu ergänzen. So gibt es zu jedem der zwölf Songs ein Bild, eine Assoziationsfläche, einen Denkanstoß, eine Anregung; gemalt von verschiedenen Künstlern, die sich der verschiedenen Stücke mal mehr, mal weniger direkt annehmen und sich auf den von der Band bereiteten Boden einlassen. Dual Sessions nennt die Band diese Verbindung von Kunst und Musik. Lisa von Bilerbeck ist dabei, ebenso Jan Kruse von der Designschmiede Human Empire, Paul Holland, Michael Wutz, Daniel Lange, Rene Arbeithuber oder Andy Potts, der den Titeltrack illustrierte.

Klez.e bündeln, sammeln, archivieren sich, Musik und Aussage, geben sich frei und nennen das „Die große Einfachheit“ oder „Wir ziehen die Zeit“. Das hat alles Hand und Fuß, aber in erster Linie viel Herz. Auch andere haben früher schon diese magischen Musik-Momente mit Siebert und seinen Mitstreitern Christian Schöfer, Patrick Vollberg, Daniel Moheit und Filip Pampuch erlebt, so zum Beispiel unser Autor und Siluh-Label-Betreiber Robert Stadlober, der dies bereits im letzten Jahr in einem langen Text, in Gänze nachzulesen auf unserem Blog, über den Musiker und Produzenten Tobias Siebert, beschrieb: „An dem Abend in Leipzig war der erste Satz, den Tobias sprach, als er die Bühne betrat: „Hallo, wir sind Klez.e und wir machen hier heute alles kaputt.“ Und sie taten es dann auch. Mit teilweise drei Gitarren bauten sie solch flirrende Gewittertürme auf, dass einem das Getränk überschwappte. Schrill schnitten einem Feedbackpeitschen und Computerkäfertöne zwischen die Augen, aber dann wurde man sofort wieder warm und wohlig vom Gesang eingefangen. Einem Gesang, der wunderbar haltlose Melodien trug, Wörter, kaum greifbar, aber irgendwo kongruent mit eigenem Unformuliertem. Danach rannte ich raus, in die Leipziger Nacht, eine Schaufensterpuppe hinter mir her ziehend und kurz hatte ich endlich wieder einmal das befreiende Gefühl, alles wäre positiv kaputt. Alles wäre möglich!“ Dem ist eigentlich nichts hinzuzufügen. „Vom Feuer der Gaben“ erlaubt große Gefühle, erscheint dieser Tage bei Loobmusik/Universal und wird sich in den nächsten Monaten bei den Anwärtern zur Platte des Jahres einreihen.

Mehr zu Klez.e und diesem Album demnächst in BLANK.

(Elmar Bracht)

MUSIKMÄRZ 2009

Dann beginnt mein Herz mich zu bewegen

Das kann durchaus passieren, wenn Klez.e diesen Monat mit ihrem neuen, dem mittlerweile dritten Album auf Tour gehen.

Kettcar-Produzent Tobias Siebert kann nicht nur Knöpchen drehen, sondern auch selber pompösen Indierock spielen. Ein Orchester werden die Mannen um den Mastermind wahrscheinlich nicht dabei haben, dafür ein Sammelsurium an Instrumenten und guten Ideen. Und wer darauf hofft, dass die Band an den Abenden alles kaputt macht, befindet sich in guter Gesellschaft. Wenn die Band gegen Ende des Sets rethorisch fragen wird, ob das alles ist, werden die Besucher pflichtschuldig und zustimmend nicken müssen. Mehr geht nicht! Wer das Glück hatte, die fünf Berliner Ende Januar bei der inoffiziellen BLANK-Release-Party gesehen zu haben, weiß, wovon die Rede ist. Und dass unser Chefredakteur auf den ersten fünf Terminen das Vorprogramm bestreitet, soll hier nicht mehr als eine Fußnote sein.

Klez.e auf Tour:

01.03.09 Wien, B 72 
02.03.09 Regensburg, Heimat
03.03.09 Reutlingen, franz.K
04.03.09 Konstanz, Kulturladen
06.03.09 Halle, Objekt 5
07.03.09 Leipzig, UT Connewitz
09.03.09 Hamburg, Knust
10.03.09 Berlin, Lido
11.03.09 Münster, Amp
12.03.09 Köln, Kulturbunker
14.03.09 München, Orangehouse

MUSIKFEBRUAR 2009

BOHEMIAN like you

„If I had known this before“ – acht Jahre ist es her, dass das Konterfei von Jonas Poppe und Sebastian Dasse, die damals noch zu zweit waren, bei VIVA über den Bildschirm flimmerte. Damals lieferten sie zu einem Woody-Track die Vocals und schafften die dunkle Diskohymne der 2000er Ecstasy-Generation. Am Freitag, dem 13. März, erscheint „Rubber&Meat“, das dritte, großartige, angenehm ungewöhnliche Album der Berliner Soundtüftler von Kissogram. Ab dem 12. März supporten die „Kissos“ Franz Ferdinand auf Europa-Tour.

BLANK: Würdet ihr „Rubber&Meat“ als Großstadtalbum bezeichnen? Wenn nein, was ist es dann?
KISSOGRAM: Es ist ein futuristisches, surrealistisches, autistisches, schnelles und langsames, provinziell-metropolitisches, schlechtes und gutes, passioniert-lakonisches, leicht bekleidetes, undiplomatisches offensiv-melancholisches ganz und gar nicht vernünftiges Pop-Album von drei Männern mit drei Wodkagläsern und drei Zigaretten, auf drei Ohrensesseln in drei Strohhäusern, wartend, bis der Wolf kommt und pustet.

BLANK: Worum geht es in dem Song, der euer Album betitelt?
K: „Rubber and Meat“ handelt von einem Mädchen, das in einer Fleischfabrik arbeitet, morgens um sechs aufsteht, den ganzen Tag nur Fleisch und ihre Gummihandschuhe sieht und abends zu müde ist, um von einer für sie besseren Welt zu träumen.

BLANK: Im Kontrast dazu befasst ihr euch textlich sehr stark mit, man nenne es salopp „Berlin-Mitte-Thematiken“. Wie wirkt diese Szene auf euch? Tatsächlich scheint ihr euch eher abgestoßen zu fühlen.
K: Das muss nicht wirklich Berlin sein, es kann auch London, Kopenhagen oder was auch immer sein. Aber du hast Recht, diese Szene, die wir beschreiben, kann manchmal sehr abstoßend sein, man kann sich aber auch gut darüber amüsieren. Natürlich ist Berlin nicht mehr das Berlin der Neunziger Jahre und in einigen Straßen, über die ich früher schlenderte, fühle ich mich heute eher fremd. Das ist aber eine normale, aber manchmal beunruhigende Stadtentwicklung. Wie ein Mädchen, das sich immer mehr, immer stärker schminkt, bis sie irgendwann kaum mehr zu erkennen ist, und wir, ihre alten Freunde möchten ihr manchmal nicht mehr die Hand geben, weil sie sich so entfremdet und weil wir sie vermissen, wie wir sie kennen.

BLANK: Was wünscht ihr euch für den Frühling/Sommer 2009?
K: Ich hätte nicht gedacht, dass ich so etwas mal sage, aber zuerst brauchen wir alle Geld. Sonst müssen wir eben in einer Fleischfabrik arbeiten. Außerdem wünschen wir uns eine schöne Tour im Mai; Festivals im Sommer, Sonne, Meer, Berge, und dass wir nach dem ganzen Tour- und Saufinferno im Frühling überhaupt noch zurechnungsfähig sind.

(Teresa Mohr)